- Qual é o significado da sua instalação? O que há de mais interessante nisso, na sua opinião?
“Nossa instalação se chamou“Museu do Trabalho Rural”, e o mais interessante nela, creio eu, será a relação entre a imagem externa e o espaço interno. Trata-se de uma torre com 3,2 metros de diâmetro e 8 metros de altura, que vista de fora funciona como uma escultura geométrica - uma espécie de coluna de ordem que surgiu do nada em um campo de batata perto da aldeia de Zvizzhi e ao mesmo tempo o tempo parece que sempre esteve lá. Quando você olha para ele, as associações mais diferentes podem surgir - de uma caixa d'água banal à última coluna da acrópole desaparecida e, o mais importante, será muito difícil de fora avaliar sua verdadeira escala, porque uma estrutura forrada com o adobe se fundirá visualmente com sua base de terra e ambiente geral.
Aqueles que viajam para pequenas cidades e vilas estão acostumados com essas pequenas verticais, torres de água, que há muito perderam sua funcionalidade, mas servem como marcas de identificação dos assentamentos. Nossa torre vista de lado parecerá um dominante meio abandonado, embora na verdade seja concebido para ser habitado. Acabamos de fazer a entrada para ele bem imperceptível, colocando-o no lado oposto da estrada. O espaço interno é direcionado para cima e é iluminado com luz quente, e nas paredes da torre colocamos objetos da vida rural. A torre é chamada de “Museu do Trabalho Rural” porque contém artefatos genuínos que só temporariamente se transformarão em objetos de exibição.
Quem são seus co-autores neste projeto?
- Inventamos e realizamos o Museu do Trabalho Rural em parceria com a talentosa arquiteta Agnia Sterligova. Nossa cooperação começou em 2012, quando Agnia, como parte do escritório SPEECH, se envolveu em um projeto para a exposição do pavilhão russo na Bienal de Arquitetura de Veneza. Junto com Agnia, agora um arquiteto independente, também fizemos instalações em Milão - U-Cloud em 2014 e Living Line em 2015 (junto com Sergey Kuznetsov), e em janeiro deste ano desenvolvemos o design da exposição Jan Vanrita “Perdendo a cara”para o Museu Judaico e Centro de Tolerância em Moscou.
Você fez projetos em Milão, mas nunca participou da Archstoyania antes. Porque agora?
- É uma grande honra para mim participar do festival Archstoyanie. Este ano o festival realiza-se pela décima vez e, sejamos francos, não recebi de imediato o convite para me tornar um dos seus autores. A primeira vez que Nikolai Polissky me ofereceu isso foi há cerca de três anos. E então consideramos um local muito interessante na entrada de Nikola-Lenivets, mas aconteceu que o festival foi forçado a ajustar a geografia das instalações, outro local apareceu para nós, e para ela Agnia Sterligova e eu também fizemos duas propostas, mas por razões diferentes e não foram implementadas. E então apareceu Zvizzhi, esse campo de batata, a ideia de uma placa de entrada e, finalmente, como se costuma dizer, tudo se encaixou. E estou muito feliz com isso.
Como o contexto Archstoyanie influenciou você? Em que essa sua instalação difere de suas outras obras do mesmo gênero?
- O tema central do Archstoyanie é justamente o espaço, a paisagem em que o festival é realizado, e todas as instalações aqui são grandes objetos arquitetônicos e escultóricos que são criados no ambiente natural e depois se acomodam, interagindo constantemente com esse ambiente. O gênero de exposição, arquitetura temporária é, em princípio, muito interessante para mim, e a oportunidade de criar um objeto focado não no urbanizado, mas apenas no ambiente natural deve ser reconhecida como única em geral, por isso mergulhamos no contexto com grande prazer e tentei encontrar uma incorporação interessante feita à mão para ele. Claro, isso também influenciou a escolha do material. Entendemos que aqui só cabem materiais absolutamente naturais, mas ao mesmo tempo não madeira, visto que o tema da arquitetura em madeira, em nossa opinião, na Archstoyanie já foi mais do que divulgado. Portanto, procurávamos um material igualmente natural e "vivo" que aparecesse naturalmente e, em algum momento, pudesse desaparecer com a mesma naturalidade. E, no final, optamos pelo revestimento de adobe, idealmente enfatizando o fato de que nossa estrutura cresce a partir do solo, simbolizando o trabalho no solo, que sempre foi e continua sendo o principal suporte, a coluna sobre a qual repousa o bem-estar humano.
Embora o material, as proporções e a função sejam diferentes, composicional e figurativamente: como algo parado em um campo aberto - há uma semelhança com a Rotunda de Brodsky parada nos campos próximos, em Nikola-Lenivets. Quão consciente é essa semelhança? É uma homenagem a um lugar, um diálogo pós-moderno ou um acidente? Ou a paisagem está provocando?
- Para ser sincero, não vejo nenhuma semelhança entre o nosso objeto e a Rotunda de Alexander Brodsky. Será que a forma redonda de ambos os objetos pode levar a tal suposição?.. Tal forma é realmente sempre muito interessante e vantajosamente percebida em espaços naturais - um fato conhecido pelo menos desde o Renascimento. E em termos de proporções, materiais, percepção, o nosso “Museu” e “Rotunda” são completamente diferentes. Em vez disso, alguns paralelos poderiam ser traçados com "Beaubourg" de Nikolai Polissky - uma forma alongada, coroada com uma espécie de acabamento. Mas, repito, se nosso objeto se refere a alguns protótipos, então essas são torres de água da vida real de numerosas aldeias e aldeias.
