Você já viu como os conjuntos são desenhados? - Muito o quê?
- E nada, apenas muitos …
Lewis Carroll, Alice no País das Maravilhas
É preciso pensar que o curador Aaron Betsky traumatizou profundamente a bienal de arquitetura em 2008 - pela segunda vez, o leitmotiv da exposição é um retorno à arquitetura. Na interpretação do curador deste ano David Chipperfield, a principal tarefa era "reconvencer a todos da existência de uma cultura arquitetônica, criada não por gênios individuais (leia-se: estrelas), mas por uma comunidade com uma história comum, ambições comuns, premissas e ideias. " Consequentemente, o curador deu a todos os participantes convidados do programa principal da Bienal uma difícil tarefa: mostrar o que é mais importante, encontrar o significado profundo (torná-lo significativo). Em outras palavras, procure raízes, identifique as fontes e componentes de sua inspiração, ideias e imagens-chave, a matéria original de seu trabalho. A fim de, então, combinar as respostas encontradas e ver como elas irão interagir em um terreno comum, que neste caso significa - no espaço expositivo.
O tema da Bienal Common Ground, sugerido a Chipperfield pelo professor de sociologia Richard Senett, já é interpretado no manifesto de forma ambígua e multifacetada, dando aos participantes maior liberdade. A primeira camada é a mais compreensível - são espaços públicos. Mas não apenas os espaços públicos em alguns escritórios e supermercados, Chipperfield estipula imediatamente, mas os "semitons mais sutis" entre o privado e o público, os resultados da luta eterna do indivíduo e do geral. A segunda das interpretações do tema proposto no manifesto curatorial é a interação de um arquiteto com profissões relacionadas (“a arquitetura requer trabalho em equipe”, escreve Chipperfield). E, finalmente, a terceira camada é a mais fina - o pano de fundo cultural e histórico, que todos nós temos de uma forma ou de outra em comum.
Na entrada de Corderi, somos recebidos por uma parede branca do outro lado do corredor vazio, um poço veneziano de pedra na frente dela e várias pequenas exposições, à primeira vista, selecionadas de forma completamente aleatória: três comparações formais simples, acompanhadas por uma breve reflexão de Bernard Chumi; um jornal-exposição dedicado a Veneza com entrevistas de residentes locais; e o mais engraçado Monumento ao Modernismo, uma “colagem tridimensional” de obras-primas do século 20 (incluindo o Clube Melnikov de Rusakov), inventada pelo arquiteto Robert Burchart em 2009 para um local muito específico em Berlim. Três pequenos (francamente, não os mais significativos nesta Bienal) projetos de exposição não estão conectados de forma alguma. A única conexão entre eles é o espaço comum do corredor e o terreno comum escrito na parede. São diferentes esses projetos, mas coexistem e inevitavelmente surgem algumas conexões entre eles.
Esta primeira sala esquisita é na verdade o manifesto mais claro de toda a exibição de Chipperfield. Mais adiante Corderi será o mesmo: alternância, vizinhança e uma mistura de grande e pequeno, espetacular com informativo, formal com enredo, jovens arquitetos com velhos e obscuros construtores indianos com famosas estrelas britânicas - a lista é quase interminável. O curador David Chipperfield parece ter decidido coletar aqui um espectro da diversidade do mundo arquitetônico, presumivelmente para emergir coletivamente da aparente crise do pensamento arquitetônico. A Arca, não de outra forma. Há pelo menos uma cópia de cada criatura aqui.
Devo dizer que o primeiro hall parece um pouco assustador: parece uma exposição supranumerária, que não teve material suficiente para surpreender o espectador. Além disso (atrás da parede) segue uma severa satisfação com as fotos de Thomas Strut, que não livra imediatamente os espectadores da temerosa suspeita de que serão mostrados apenas fotos emolduradas e maquetes de papelão aqui e mais adiante em Corderie. Mas a situação é diferente: absolutamente incrível, se você olhar de perto, as fotos de Strut na verdade formam o "núcleo" de toda a exposição curatorial do Arsenal - sua exposição é dividida em quatro partes, que são encontradas nos lugares mais inesperados. É chamado de 'lugares inconscientes' e mostra os tipos de espaços urbanos "formados historicamente", dos quais, como você sabe, a maioria no mundo: desde os arredores de São Petersburgo durante o período eclético, os arredores caóticos de Lim, e aos misteriosos edifícios de vários andares das cidades asiáticas.
Assim, a exposição é construída, de facto, de forma muito clara, mesmo de uma forma clássica: após um breve manifesto de introdução, segue-se o início da exposição “pivotante”. No corredor seguinte - o impacto sensorial da instalação de Norman Foster: um espaço escuro, onde no chão preto, rastejando sobre os fundidos das colunas de Corderi, a projeção dos nomes dos arquitetos de Hipódamo a Eisenmann pisca (seguindo o princípio da diversidade, existem muitos nomes de outros pouco conhecidos). Os nomes dos arquitetos estão sob os pés, como as lápides dos abades humildes nas igrejas católicas. É verdade que, ao contrário dos pratos, esses nomes são tão móveis que, se você olhar para eles por muito tempo, sua cabeça vai girar. Acima, nas paredes, acompanhadas por ondas de ruído ou silêncio, cintilam fotografias, reunidas em vários grupos temáticos: revoluções (incluindo o Maidan ucraniano e Femen), orações, ruínas, as consequências de desastres, alguns edifícios espetaculares - o alcance visual é impressionante e obriga a inspecionar. Este salão é definitivamente o primeiro acorde da sinfonia.
Uma alternância semelhante: salas brilhantes e emocionais, mono-salas de um objeto e, finalmente, salas, quase cheias até a borda com pequenas exposições - continua no Arsenal e além. Pode-se pensar que Chipperfield pegou instalações figurativas da Bienal de Shojima, da Bienal de Betsky, objetos volumosos, diluiu tudo isso com exposições "arquitetônicas comuns" - e fez com que participantes e espectadores buscassem sentido em tudo isso. O que não é ruim, porque me fez pensar. A exposição não é muito divertida (embora seja, há variedade), faz você ler e olhar atentamente, buscar um conceito-chave e falar sobre o quanto ele é revelado. No salão de Foster, por exemplo, é literalmente revelado: os nomes dos arquitetos se chocam e se agitam em um semi-terreno comum. Mas não só, claro. Esta é uma instalação muito integral que inclui todos os visualizadores em uma experiência comum de som e imagens.
O salão negro de Foster é seguido pelo salão comunitário de vários participantes: o campus - a sede da empresa farmacêutica Novartis em Basel, na Suíça, é mostrada com modelos. Perto está uma exposição pessoal em miniatura do arquiteto suíço Luigi Snozzi, de 80 anos, que "dedicou quarenta anos para trabalhar para o bem público" e uma projeção de vídeo do projeto do Caminho do Peregrino, em que jovens arquitetos mexicanos criaram uma série de plataformas de observação, capelas e abrigos ao longo da rota de peregrinação de 117 quilômetros até a imagem da Virgem Maria de Talpa. O único destaque importante nesta sala é o objeto 'Vessel' ('navio' ou 'navio') dos arquitetos irlandeses Sheila O'Donell e John Twomey, um gazebo de madeira feito de pranchas de madeira 'para contemplação' (nesta capacidade é um pouco como 'Ear', construído por Vlad Savinkin e Vladimir Kuzmin em Nikolo-Lenivets). Em uma palavra, a variedade é óbvia.
Em seguida, há uma pausa artística no pequeno salão do arquiteto sueco Peter Märkli e seu colega Steve Roth. Várias figuras escultóricas de metal são colocadas aqui, em torno da mais valiosa das quais, a Mulher Veneziana VIII de Alberto Giacometti, está rodeada por um guarda. O significado da instalação é bastante clássico: uma comparação de uma figura humana (que, no entanto, é adivinhada nas esculturas mostradas após alguma tensão) com uma coluna: os arquitetos colocaram as figuras na intersecção de linhas retas imaginárias conectando as colunas do corredor diagonalmente. Embora este desenho sutil só possa ser considerado de acordo com o esquema anexo - um observador menos atento irá considerar que as figuras estão simplesmente alinhadas em seu caminho, podendo até contorná-las com aborrecimento, olhando para o guarda e não apreciando a sofisticação de Giacometti. Enquanto isso, a ideia do Märkli Hall mais que tudo lembra a anterior Bienal de Shojima: seu significado é refletir a arquitetura do Arsenal, é um tema bienal sem fim, embora a ideia não se limite a ele: a presença de um o gráfico proporcional clássico é mais importante aqui.
Então a diversão começa: clássicos alemães, Zaha Hadid, Herzog & de Meuron e obscuros construtores indianos com posseiros venezuelanos. Falaremos sobre eles um pouco mais tarde. Mantenha-se para atualizações.
