Em uma coletiva de imprensa antes da abertura da Bienal, seu presidente, Paolo Barrata, elogiou muito o curador Aaron Betsky por sugerir o lema difícil de entender "Lá fora" para a exposição de arquitetura que agora ocorre em Veneza - a arquitetura mais representativa exposição no mundo. Arquitetura além da construção '. Segundo Barrata, o tema é multifacetado, significativo e fecundo. Provoca buscas criativas e por isso a atual bienal de arquitetura é talvez a melhor dos últimos dez anos. O curador Aaron Betsky aceitou o elogio favoravelmente - após o que ele teve que responder às perguntas dos jornalistas por muito tempo, explicando que na verdade ele ama edifícios e não pretendia fazer da bienal de arquitetura um ramo da Bienal de Arte Contemporânea, e também que ele não é um utópico, não paira nas nuvens e os sonhos se tornam realidade.
Assim, o tema colocado por Betsky em termos de ambigüidade parece ter superado todas as exposições anteriores. Além disso, pode ser traduzido de diferentes maneiras - ou "fora", ou "antes" ou "sobre". Outra palavra "além", agora colada em toda Veneza (especialmente no pavilhão italiano) é traduzida como "vida após a morte". Isso inesperadamente ecoa o fato de que o curador da Bienal definiu os edifícios como "túmulos da arquitetura" - a arquitetura, em sua opinião, é uma forma de pensar os edifícios e, quando eles são construídos, ela morre. Em Veneza, uma cidade-museu que submerge silenciosamente, isso soa especialmente pacificador e, quer queira quer não, faz você se lembrar da cidade russa de Kitezh.
No entanto, a tarefa do curador deve ser entendida exatamente ao contrário - ele, é claro, não queria matar a arquitetura, mas ressuscitá-la (e a exposição) da maneira usual - indo além da moldura do próprio mundo arquitetônico em busca de renovação. Aaron Betsky encorajou os participantes da Bienal a experimentar, voltando-se para os campos do cinema, arte, design, arquitetura paisagística e performance. Os experimentos, disse ele, podem assumir a forma de estruturas temporárias, bem como imagens "às vezes obscuras".
Este último parece ser uma parte importante do conceito de Betsky. A incerteza é o caos, e do caos algo novo deve nascer. Suponha que o principal sonho de todo crítico e teórico não seja apenas descrever o processo observado, mas também influenciá-lo. Quando isso acontece, tendências muito poderosas e teoricamente fundamentadas surgem na arte. Voltando à arquitetura, é fácil perceber que após o entusiasmo pelo surgimento da arquitetura não linear nos últimos anos, nada de especial aconteceu nela, a estagnação se delineia. A Bienal é a exposição de arquitetura mais influente, e não é surpreendente que tenha sido com a ajuda dela que Betsky fez sua tentativa de "despertar" a arquitetura moderna, de criar o caos, do qual se espera algo novo. O caos, entretanto, pode ser diferente - produtivo e destrutivo, caos de geração e destruição (às vezes, entretanto, um se transforma em outro). O caos também pode ser natural, proveniente de causas naturais, e às vezes é artificial, e parece que o caos que o curador tentou criar em sua Bienal é apenas artificial. Mas seja ele produtivo ou não - só será possível com o tempo para entender. Se, em dez anos, esta Bienal for considerada um marco - então a ideia, sem dúvida, foi um sucesso. Se não, então ele falhou.
Nesse ínterim, só podemos ser guiados pelas emoções. O pavilhão italiano, inteiramente dedicado à arquitetura experimental, dá a impressão de um caos enfadonho. São muitas as exposições (55), saturadas de textos e pequenas imagens, que ocasionalmente são intercaladas com maquetes e instalações - tudo isso junto se funde numa massa que é difícil de perceber também porque os textos são muito misteriosos em alguns lugares - aparentemente, para o questão de atingir as "às vezes ambigüidades". Para diluir a diversidade dos experimentos juvenis, bem como mostrar como exatamente se deve experimentar, entre eles foram colocados os corredores de veneráveis "estrelas" com o subtítulo "Mestres de Experimentos". Em uma delas há uma pintura de Zaha Hadid, que realmente é muito parecida com a vanguarda dos anos 20, mas só um pouco mais ornamental e, portanto, bonita - embora ao lado dessas pinturas, um tapete feito de alguma forma segundo seus motivos parece muito apropriado no chão. Na outra, há doodles de Frank Gehry, que recebeu o Leão de Ouro este ano por sua “contribuição de vida”. Doodles - traduzido como "rabiscos", aquilo que é desenhado involuntariamente, mas neste caso também aquele que é moldado, dobrado, amassado com vários graus de involuntariedade - protótipos da arquitetura de Gehry - que, portanto, nasce de rabiscos. Mas o mais notável de tudo é a instalação de Herzog & De Meuron, feita em colaboração com o artista chinês Ai Weiwei: o amplo hall de entrada do pavilhão é inteiramente ocupado por uma estrutura de longos postes de bambu, aos quais estão presos bambu cadeiras, portanto suspensas no ar. Ficou bastante arejado e muito misterioso.
A exposição no Arsenal, onde Betsky colocou instalações das celebridades por ele convidadas, cria uma sensação de caos, nada entediante, mas poderosa, muito expressiva, sombria e assustadora. Talvez seja porque o próprio espaço de Corderi é grande e escuro, as grossas colunas redondas se assemelham a uma catedral românica toscamente construída, mas Corderi é mais comprida do que a catedral, e a mudança de corredores em algum ponto parece interminável. E as instalações são grandes, inscrevem-se em grande escala neste espaço, emprestando-lhe a escala e o alcance. As “estrelas” não foram convidadas em vão, cada uma trabalhou profissionalmente, as instalações são sólidas, reconhecíveis e brilhantes - Corderi transformou-se numa série de imagens - numa atração expositiva. Isso é bom para a exposição, mas não muito bom para a intenção do curador, porque entre os manifestos da atual Bienal brilhou o pensamento que arquitetura-atração não é muito boa, e a arquitetura deve pensar em como nos fazer sentir como se estivéssemos neste mundo "como em casa". Essa ideia - de “estar em casa” - se repete muitas vezes nos textos de Betsky e parece ser uma das principais. Mas as instalações de estrelas de forma alguma evocam "sentimentos de casa", mas sim geram ansiedade.
Outro problema é o reconhecimento. Uma vez no Arsenal, as estrelas não experimentaram em busca de imagens vagas de algo novo ou diferente, mas ao contrário - cada um mostrou que pode. As imagens podem ser vagas em algum lugar, mas seu significado parece de alguma forma o mesmo - tudo isso é um resumo de conceitos criativos, o resultado, não o começo, o passado, não o futuro. Frank Gehry é muito reconhecível: ele construiu um fragmento da fachada, semelhante a Bilbao, de madeira e argila. As superfícies côncavas são gradualmente revestidas com argila, que seca e racha. Isso é feito aos poucos, até o final da Bienal de novembro, toda a “fachada” será revestida de argila: é assim que a instalação apresenta características de performance, que é dinâmica, mas o visual ainda está voltado para trás - olhando para essa performance, você se lembra de Bilbao e tudo parece grande e um estande espetacular projetado para mostrar a peça mais visível do portfólio de Gehry. O mesmo acontece com Zaha Hadid - ela instalou sua próxima forma fluida no Arsenal, sobre a qual está escrito na explicação que ela é o protótipo do móvel. Mas Zaha Hadid projeta móveis tão improváveis há muito tempo. Um objeto semelhante foi instalado por Zaha dentro da Villa Foscari em homenagem ao 500º aniversário de Andrea Palladio; mas o que é interessante - dentro do Palladio ou no Arsenal - coisas muito semelhantes, então de que adianta? Greg Lynn acrescentou um pouco de humor - fazendo móveis também, mas com "brinquedos reciclados". Os brinquedos acabaram por ser esculturas brilhantes, que, devo dizer, ocuparam o mínimo de espaço - para eles o júri atribuiu o "Leão de Ouro".
Além do acima exposto, existem muitas imagens impressionantes no Arsenal. A instalação de teia de aranha rendada de Matthew Ritchie e Aranda Lush "Evening Line" está linda. Consiste inteiramente em ornamentação - parte esculpida em metal, parte composta de sombras e projeção de vídeo, inscrita em um padrão de metal na parede. O que isso significa não está claro (qual era o objetivo?), Mas parece tentador e relevante - agora os arquitetos adoram enfeites. Unstudio colocou em Corderi um objeto volumoso do tamanho de uma pequena sala, curvo como uma tira de Mobius - esse objeto é notável pelo fato de que pode ser inserido dentro. O objeto da família Fuchsas, ao contrário, é delineado por uma linha amarela, que se recomenda não ser cruzada (que ninguém observa): são duas gigantes vans verdes com pequenas janelas através das quais você pode ver cenas do cotidiano em estéreo formato de cinema. O Dealer e o Scorfidio se comportaram com muita facilidade - sua instalação compara os vídeos com dois Venice - um real e um brinquedo americano de Las Vegas. Não está claro como isso revela o tema de Betsky, mas em Veneza parece ótimo e as cadeiras estão constantemente ocupadas. Barkow Leibinger construiu um "jardim nômade" com tubos de metal cortados a laser - devido à homogeneidade do material e à simplicidade da solução, em minha opinião, esta é uma das instalações notáveis do Arsenal. Mas Philip Rahm chamou a atenção para sua instalação pelo fato de que nos primeiros dias da exposição (não sei como depois) havia duas pessoas nuas reclinadas ali, e ao lado delas, quatro pessoas vestidas de maneira descolada tocavam uma espécie de guitarra musical: o projeto é dedicado ao aquecimento global, mas é aqui que segue? Da nudez?
Assim, a parte da exposição, destinada a responder ao apelo do curador, é composta por 55 pequenas exposições no pavilhão italiano e 23 grandes instalações no Arsenal. Juntos, eles se somam a uma tentativa de despertar os arquitetos - da prática comercial às fantasias do “papel” - em prol da renovação, uma virada, em geral, o nascimento de algo novo. O pavilhão da Itália representa, segundo a curadora, o passado e o futuro deste processo: exposições juvenis - esperança para o futuro, exposições retrospetivas de mestres - uma espécie de manual de experimentação. Tudo isso é complementado pelo artigo de Bezki sobre a história da experimentação modernista do pós-guerra - suas origens, o curador remontam à crise política de 1968 e à crise energética de 1973. Becki nomeia nomes, constrói uma história e convida jovens arquitetos a contá-la. A exposição do Arsenal, por outro lado, faz o mesmo apelo à experimentação para veneráveis mestres - em teoria, toda a comunidade arquitetônica deveria, como resultado, ser envolvida no processo de criação de "rabiscos" - a partir dos quais uma nova explosão de pensamento, um nova reviravolta, ocorreria posteriormente. Então o que está acontecendo? A exposição juvenil acabou se revelando rasa e supersaturada (embora, se desejado, você possa ver coisas interessantes nela) - e a “estrela”, ao invés de dinâmica e novidade, reproduziu as próprias técnicas das “estrelas”. O impulso de injetar artificialmente o caos criativo na arquitetura parece ter falhado. Talvez porque seja artificial? Embora - como já foi dito - só depois de dez anos ficará finalmente claro se essa tentativa deu pelo menos algum fruto e se deu uma guinada. Nesse ínterim, olhando para a exposição, parece improvável.
Mas aqui está a coisa estranha. Não está claro se Betsky despertou os arquitetos. Mas as forças naturais, devemos pensar, despertaram. Foi fácil perceber que a cerimônia de abertura da Bienal, cujo curador em seu manifesto afirmava que não é a coisa mais importante do nosso mundo nos proteger da chuva, caiu em um aguaceiro que raramente acontece em Veneza. Por causa da chuva, a abertura teve que ser transferida do Giardini para o Arsenal - e uma multidão de jornalistas molhados e congelados parou na frente da entrada. Mas isso ainda não seria nada. Afinal, argumentando sobre a importância dos problemas econômicos e outros para o desenvolvimento do pensamento conceitual, o curador da atual Bienal, ao que parece, não só a chuva, mas também a crise azarou. A crise é óbvia. Estamos esperando por experimentos.
Botânicos e nômades
Ao interpretar seu tema confuso para o público e os participantes da Bienal, o curador Aaron Betsky falava principalmente de forma apofática, ou seja, do contrário. Não um edifício, porque é um túmulo de esperanças humanas e recursos naturais, não uma utopia ou uma solução abstrata para problemas sociais - mas imagens e enigmas para sonhar. Ele pediu para ir além da construção e da arquitetura como uma disciplina - e experimentação. Mas ele não disse exatamente para onde ir, mantendo o mistério enigmático.
Todos reagiram a este mistério de formas diferentes, com cinema, design e mobiliário. Muitos críticos consideraram a Bienal de Arquitetura muito semelhante à Bienal de Arte Contemporânea e, portanto, perderam sua especificidade profissional. Depois de ir além da estrutura, você pode não só ganhar, mas também perder - esta, de um modo geral, é uma ocupação emocionante, mas também perigosa - ao cruzar fronteiras.
No entanto, a maneira mais óbvia de responder ao tópico acabou sendo a mais direta: basta sair do prédio. Seria curioso se as salas de exposição ficassem vazias e as exposições destruídas do lado de fora, mas a Bienal ainda não atingiu esse grau de literalismo. No entanto, em termos de fuga da arquitetura para a natureza e construção lá, fora, de várias "estruturas temporárias", os arquitetos puderam recorrer à rica experiência dos residentes de verão soviéticos - eles também fugiram do declínio do modernismo e, tendo escapado, fixaram-se uma horta.
A maior horta da Bienal foi construída pelos Gustafsons. Uma parte da vegetação selvagem coberta por lianas do Jardim das Virgens, localizado na orla do Arsenal, no local de um mosteiro beneditino em ruínas - foi cultivada pelo projeto anglo-americano "pelo Paraíso" (em direção ao paraíso). Repolho, cebola e endro (símbolos de saciedade) são intercalados com flores, no centro da composição há um morro que se curva como um caracol, coberto com grama limpa. O caracol de erva deve ser um lugar para se contemplar, com almofadas colocadas sobre ele, mas em um dia chuvoso de abertura, apenas bolas brancas pairavam sobre o gramado montanhoso. Além disso, na velha capela (ou igreja?), Velas são colocadas em prateleiras ao longo das paredes, e os nomes latinos de animais e plantas desaparecidos estão escritos nas paredes (há alguns). É preciso admitir que este projeto paisagístico é o mais ambicioso da Bienal. Por causa dele, eles até cortaram várias árvores velhas, o que não é bem-vindo em Veneza.
A propósito, o tema do Paraíso se encaixa bem na curadoria "lá fora" e "além" - não há nada mais sobrenatural do que o Paraíso. Ela se revela à sua maneira no pavilhão alemão: maçãs crescem em galhos enfiados em potes, conta-gotas com líquido verde se fixam nos galhos. Não se explica se os próprios frutos cresceram em cortes finos e como isso foi conseguido, mas a exposição simbólica é acompanhada pelo argumento de que as pessoas, tentando criar um paraíso na terra para si mesmas, estão destruindo ecossistemas inteiros em prol desse paraíso tecnogênico. Maçãs sob conta-gotas devem provavelmente representar um paraíso feito pelo homem.
O pavilhão do Japão é cercado por flores, inseridas em estruturas efêmeras que lembram os contornos de torres entrelaçadas com vegetação. São esquemas de edifícios de vários andares habitados por vegetação - também são representados no interior do pavilhão nas paredes a lápis. Além dos desenhos, não há mais nada no pavilhão - é totalmente branco, como uma espécie de folha de papel virada para o interior. Muitas pessoas gostaram deste pavilhão lacônico e contemplativo de forma sintática.
A horta americana é menor e não tão profunda, mas social - ela se dedica, em particular, a criar os filhos por meio da jardinagem (esse tipo de educação agora é praticado em muitos mosteiros em nosso país). Os americanos esconderam a dórica imperial da fachada atrás de uma tela translúcida, montaram uma horta em frente à colunata e encheram o pavilhão de todo tipo de projetos sociais. Uma 'ecotopédia' muito séria e diversa, uma enciclopédia de problemas ambientais, é implantada no pavilhão dinamarquês.
O tema ambiental também é popular entre os projetos experimentais do pavilhão italiano. As ideias, no entanto, são mais familiares: cidades verdes, onde há uma floresta abaixo, e tecnologia e civilização "na segunda camada" e arranha-céus verdes, dos quais um é especialmente notável - Julien de Smedta, um projeto destinado aos chineses cidade de Shenzhen, localizada no continente em frente a Hong Kong. Trata-se de um arranha-céu gigantesco, habitado igualmente por gente e vegetação, que, segundo os autores, deveria substituir as montanhas arborizadas que desapareceram nesta zona, tornando-se numa grande montanha artificial. Não importa o que o sábio de Cincinnati diga sobre os benefícios das inspirações vagas, um projeto real parece muito vantajoso em relação ao seu histórico.
Outra forma de escapar "do prédio" é ir para a cabana. Curiosamente, ele não é muito popular, mas está próximo de nós em espírito. A "cabana" principal em forma de yurt foi construída no aterro do Arsenal por Totan Kuzembaev e colocada dentro de um pequeno carro. O objetivo é combinar os acessórios nômades de duas culturas - a antiga e a moderna. Da civilização moderna, dentro da yurt existem vários acessórios técnicos, telefones celulares, laptops, etc., usados não para os fins a que se destinam, mas como atributos de um xamã. Para sobreviver no mundo moderno - escreve Totan Kuzembaev na explicação de "Nomad", você precisa se ajustar. E então ou surgirá algo novo, ou o globalismo engolirá tudo, o que será triste - conclui.
Por outro lado, entre o Arsenal e o paraíso de Gustafson, arquitetos chineses construíram várias casas diferentes - feitas de caixas, compensados, compensados - as casas são grandes, de três andares, mas por dentro são desconfortáveis e apertadas, como em um trem. A cabana pergolada construída por Nikolai Polissky no terraço do pavilhão russo também se encaixa na mesma fileira - uma bela estrutura, mas, infelizmente, não muito perceptível pelo fato de estar localizada na lateral da lagoa.
Existe também uma forma mais abstrata de sair - por exemplo, da forma para o som e o vídeo. Aqui está um pavilhão lindo e completamente sem arquitetura da Grécia, composto por pedestais interativos com monitores e fones de ouvido com os sons da cidade. Está escuro com fios de plástico brilhantes pendurados.
E, por fim, você pode fugir da arquitetura esvaziando o pavilhão - isso foi feito no pavilhão da Bélgica, onde confetes coloridos estão espalhados pelo chão ("After the Party"), ou na Tchecoslováquia, onde há refrigeradores engraçados com comida conjuntos para personagens diferentes.
A maioria dos participantes interpretou diligentemente o tema, mas também há frondes - aqueles que, ao contrário do lema, ainda mostram os edifícios. Afinal, os pavilhões nacionais não precisam seguir o tema. Grande é o pavilhão do Reino Unido, onde uma exposição cara e cuidadosamente elaborada é dedicada a cinco arquitetos que constroem moradias em cidades britânicas. Acontece que agora na Grã-Bretanha - a pátria da cidade-jardim e novos tipos de moradias no início do século 20 - cada vez menos moradias estão sendo construídas. O pavilhão da França está repleto de muitos modelos: cada um deles é colocado em uma caixa de plástico transparente e preso à parede com um console móvel - você pode torcer os modelos enquanto olha para eles. A arquitetura da Espanha também é mostrada em grande detalhe e tradicionalmente - com fotos e modelos. Pela primeira vez em muitos anos, esta linha inclui o pavilhão russo, sobre o qual - um pouco mais tarde.
Russos em Veneza
Acontece que, entre as pessoas com quem pude falar em Veneza, os jornalistas avaliaram o conceito de Aaron Betsky em grande parte positivamente, enquanto os arquitetos em sua maioria negativamente. Existem, é claro, exceções, mas no geral é óbvio - arquitetos vêm a Veneza para olhar a arquitetura, e sua quase completa ausência não foi a surpresa mais agradável para eles.
No pavilhão russo, tudo aconteceu ao contrário: não são vagas providências que se mostram, mas edifícios, muitos edifícios. Anteriormente, quando os projetos e realizações eram exibidos na Bienal, as instalações eram feitas no pavilhão russo, e agora, quando finalmente se decidiu mostrar a arquitetura real, Aaron Betsky formulou exatamente a “tarefa” oposta. No entanto, o tema não é obrigatório para o pavilhão nacional … Deveríamos ter descartado pela primeira vez a ideia de mostrar um pedaço da verdadeira arquitetura russa e nos adaptar ao lema? Difícil dizer. Mas, a rigor, é óbvio que o tema proposto por Betsky para a Bienal corresponde à situação de certo tédio e saciedade com "estrelas" que se desenvolveu na arquitetura do mundo. E o tema, definido pelo curador do pavilhão russo, Grigory Revzin, está em consonância com a situação do boom da construção na Rússia. E a exposição representa com bastante precisão um instantâneo da arquitetura russa hoje. Incluindo a variegação e o apinhamento característicos dela, o crescimento ativo, vital e não muito controlado de vários edifícios.
A exposição é composta por duas partes. O andar superior é ocupado por projetos e edifícios modernos - possui três salões, um principal e dois adicionais. Os designers Vlad Savinkin e Vladimir Kuzmin os decidiram em três cores diferentes: o primeiro hall, que exibe o catálogo eletrônico, é branco, o terceiro hall - que contém os desenvolvedores, é preto, e o hall principal, central é vermelho. Seu chão é forrado com células de xadrez, as vermelhas são os edifícios de arquitetos russos, as brancas são as maquetes feitas de acordo com os projetos de estrangeiros que estão construindo na Rússia. Segundo a ideia do curador, entre os modelos de russos e estrangeiros, ocorre um jogo de xadrez condicional - acentuando o tema da competição entre arquitetos “locais” e “alienígenas”.
A segunda parte da exposição são as estruturas de madeira de Nikolai Polissky, ainda não arquitetura, mas, conforme definido pelo curador do pavilhão russo Grigory Revzin, uma expressão do sonho da paisagem russa. As obras de Polissky permeiam o pavilhão russo - no corredor do primeiro andar, elas formam uma floresta diluída por manchas de luz. No mesmo local, na sala ao lado, são apresentadas as principais obras de Polissky e - vídeos - o processo da sua criação pelas forças de uma equipa bem coordenada de residentes da aldeia de Nikolo-Lenivets. Com base no primeiro andar, as estruturas de Polissky continuam a crescer em todos os lugares - na forma de um arco improvisado na frente da entrada, pérgulas no terraço (chamadas "além do edifício") e até mesmo as pernas da mesa no salão do desenvolvedor são feito dos mesmos troncos tortos.
Deve-se admitir que os desenhos de Nikolai Polissky diferem marcadamente de outros projetos paisagísticos da Bienal, e não apenas pelo fato de que carecem completamente do tema “paraíso” de um jardim-jardim, e o material é selvagem, natural, mal limpo. Estão muito mais próximos da natureza do que os projetos ecológicos, que, na verdade, pertencem em maior medida ao mundo da tecnologia. A "floresta" de Polissky é um pouco selvagem e assustadora, embora dentro do pavilhão ela não tenha escala - não há para onde se virar. Mas você tem que entender que esta é uma floresta de "exportação", um goblin em turnê. Em Nikolo-Lenivets, os projetos paisagísticos de Polissky são maiores e mais vitais.
Este ano, os russos participaram de todas as partes principais da Bienal. Totan Kuzembaev, que recentemente conquistou o segundo lugar no concurso para uma ponte sobre o Grande Canal de Veneza, foi convidado por Aaron Betsky para participar da exposição curatorial do Arsenal e construiu a já mencionada yurt na rua em frente a ele. Boris Bernasconi, que recentemente dividiu o primeiro lugar no concurso internacional para o Museu de Arte de Perm com Valerio Olgiati, foi convidado para fazer a curadoria da mostra no pavilhão italiano - e aproveitou o convite para lutar contra o projeto Orange de Norman Foster. Devo dizer que Aaron Betsky em sua entrevista coletiva mencionou separadamente o projeto de Bernasconi e o elogiou muito, no sentido de que o jovem arquiteto ousou protestar contra o próprio Foster.
Chegando a Veneza, a exposição do Hospital Maternidade (com curadoria de Yuri Avvakumov e Yuri Grigoryan) se transformou em um projeto muito bonito. A exposição foi exposta pela primeira vez em Moscou, na galeria VKHUTEMAS, depois em São Petersburgo. Devo dizer que na Bienal a exposição, inventada um ano antes, revelou-se muito útil: consiste em embriões escultóricos de arquitetura, interpretações do tema do nascimento, produzidas por arquitetos, entre os quais há muitos russos, mas muitos estrangeiros. Ousaria mesmo sugerir que aqui a ideia principal de Betsky se expressa, se não de forma mais precisa, pelo menos de forma mais sucinta do que no Arsenal. Instalada na Igreja Veneziana de San Stae, a exposição se transformou significativamente: todas as peças expostas foram colocadas em celas dentro das paredes de uma casa de papelão com paredes perfuradas. Este edifício assemelha-se a um relicário de igreja e ao mesmo tempo a um presépio. A evolução da exposição parece muito lógica. Além disso, parece que a própria Veneza desempenhou um papel aqui - uma cidade em que quase todas as paredes carregam uma caixa de ícones com um ícone escultural. Pelo que a cidade parece consagrada como um todo - uma qualidade que já se perdeu por outras cidades europeias - e até o brutal “Hospital Maternidade” aqui vira presépio de Natal. Veneza é uma cidade maravilhosa.
