O programa paralelo da XIV Bienal de Arquitetura de Veneza incluiu uma exposição que parece nada ter a ver com a arte da arquitetura. Refere-se à exposição "Do outro lado da porta vermelha" do protagonista da arte não oficial da URSS Mikhail Roginsky. Suas obras de 1978-2001, período da emigração parisiense, foram trazidas pela Fundação Mikhail Roginsky e in artibus, lideradas pela patrona Inna Bazhenova. A exposição foi preparada em colaboração com a viúva do mestre Liana Shelia-Roginskaya.
Por que um pintor está na Bienal de Arquitetura? Não é assim tão simples. A curadora da exposição Elena Rudenko explicou que a estratégia de Roginsky de quebrar o mundo em pré-elementos (porta, mesa, prateleira, cadeira, banheira, garrafa) é bastante consistente com a ideia de Fundamentos, que foi formulada pelo curador do Bienal Rem Koolhaas e determinou a direção da exposição principal do festival.
Como lembramos, a exposição principal do pavilhão central de Giardini chama-se Elementos de Arquitetura. Ela apresenta um determinado catálogo de módulos a partir dos quais o edifício é montado: teto, janela, piso, varanda, banheiro, porta, etc. A exposição é notável como um exemplo de propedêutica arquitetônica, um livro tridimensional para o ensino do alfabeto das formas arquitetônicas. Artigos enciclopédicos, que acompanham a demonstração de amostras de telhados e banheiros, podem se tornar a base para os resumos de alguns jovens e mulheres curiosos de faculdades e universidades de arquitetura. O problema é que na comunicação com essa enciclopédia de elementos, não há emoção pessoal e a fala do autor do artista-criador. A exposição de Roginsky resolve esse problema. Ele também trata das protoformas do nosso ser e da nossa vida. No entanto, cada um deles é capturado em um retrato e carregado com a energia vital adquirida pelo próprio artista.
Aqueles que entram na Universidade Ka'Foscari, onde está localizada a exposição de Roginsky, são saudados por sua lendária "Porta" vermelha. Este é um objeto de 1965. Não encontrado, como se poderia pensar à primeira vista, mas criado propositadamente e tendo absolutamente "retrato", como o "Quadrado Negro" de Malevich, plasticidade e até expressões faciais. O trabalho com a superfície é magnífico, que é preparado pelo artista de tal forma que a joalheria (com atenção cuidadosa a todas as rebarbas, pingos de tinta e craquelures) que o produto bruto adquira a qualidade de uma joia única, algo como um autorretrato criptografado do autor.
Assim, já à porta, o visitante da exposição adquire uma dimensão de humanidade em comunicação com o modernismo internacional das casas de bloco e apartamentos standard, indiferentes a este problema. Movimento posterior apóia e desenvolve este tema de “medir a humanidade”. É ótimo que a arquitetura da exposição tenha sido feita pelo guru do modernismo russo, Evgeny Ass. Ele colocou a obra em dois andares. O próprio layout da suíte principal da Universidade Ca'Foscari é simples: um grande corredor com vista para o Grande Canal. Paralelo a ela, há uma cadeia de pequenas salas medievais com tetos de madeira e às vezes lareiras. O burro tornava deliberadamente difícil a experiência do espaço. Ele cortou todas as suítes com paredes falsas de madeira. Cada quarto construído na antiguidade foi pintado com a cor da pintura de Roginsky (tons suaves de rosa, verde, azul escuro, branco leitoso, ocre). Acabou sendo algo como um labirinto. O espectador vagueia pelos cantos e recantos da consciência de um residente do Krushchev soviético e de apartamentos comunitários. A conversa é conduzida por coisas que habitam os quartos de tais apartamentos.
Uma pergunta para Evgeny Assu
Archi.ru:
- Evgeny Viktorovich, que efeito você queria alcançar no projeto de exposição?
Evgeny Ass:
- Efeito não é a palavra certa - tentei alcançar uma certa congenialidade do espaço expositivo da pintura de Roginsky. E eu não falaria do labirinto, mas da difícil trajetória de movimento dentro do espaço pitoresco. As formas quebradas dos corredores, as transições espaciais dramáticas (todas as aberturas são feitas diferentes), a suspensão irregular das obras - para mim, tudo isso é a "arquitetura da pintura" de Roginsky.
Há muitas coisas nos quartos e elas são coletadas em seções. O primeiro é o "ABC da bidimensionalidade". Works 1978-1980. Prateleiras com garrafas e pratos. Pintado deliberadamente de maneira brutal com acrílico barato em papel ou papelão barato. Dotado de algum tipo de força animal primitiva. A pintura selvagem é semelhante ao fauvismo: a aparente negligência da origem do mais aristocrático. A precisão e a profundidade das cores e a beleza das relações tonais agem como um vitral iluminado pelo sol.
Na seção “Interior. Cenário. Figura no Espaço”mostra obras de 1981-1982. Esta é uma reconstrução visual por Roginsky daqueles apartamentos que eram conhecidos desde os anos soviéticos. A artista já morou em Paris e pintou cômodos com abajur, banheiros e escadas de memória. Ele não queria agradar a ninguém. Seu credo era libertar a arte da beleza e da artificialidade, apagar ao máximo a distância entre a pintura e a vida. Afinal, eles têm uma afinidade viva. Portanto, seus interiores são deliberadamente pobres e frágeis. Com banheiras enfumaçadas, radiadores empoeirados, mesas rústicas e escadas tortas. Pinturas de dois metros são feitas em papel com acrílicos em uma técnica quase monocromática: cinza tingido com rosa. No entanto, ao entrar nesses interiores com os olhos, não sentimos inferioridade e desconforto. Trabalho sutil com espaço e nuances delicadas da superfície dentro do mesmo tom tornam a pintura requintada e muito nobre. Não é diferente nesses interiores comunais do modernismo soviético, restos de disputas intelectuais sobre Bakhtin e Shklovsky (elas eram conduzidas precisamente no espaço das cozinhas comuns).
Um dos trabalhos da exposição refere-se com precisão a um possível simpatizante de Roginsky no sentido de criar um design deliberadamente feio e rude, mas ao mesmo tempo refinado e belo na sutil encarnação da arte. Este trabalho é "Cabeleireiro". Na névoa da madrugada, um cabeleireiro soviético tesoura habilmente o cabelo de uma cliente sentada na frente de um espelho. Bem, é claro, a contraparte de Roginsky neste caso é Mikhail Fedorovich Larionov com seus barbeiros, a pantomima desajeitada da vida das cidades do interior, pintura deliberadamente sem arte e, com tudo isso, uma cultura impressionante de cor e espaço. Roginsky e Larionov estão unidos pela compreensão do ambiente urbano comum e banal como uma fonte única de ideias e imagens artísticas.
Hoje, tanto na Rússia como no mundo, tem havido um processo de reabilitação daquela arquitetura impessoal em blocos dos anos 1960-1980, que por enquanto na intelectualidade era indecente de amar, e odiá-lo era Bonton. Hoje, a geração mais jovem está precisamente na segunda onda do modernismo do pós-guerra em busca de exemplos de um estilo antiburguês que responda aos problemas sociais. Muitos pavilhões da atual Bienal são dedicados às construções modernistas dos países dos anos sessenta - oitenta.
Como você inspira o espectador a entrar em contato com essa arquitetura indiferente? Como animá-la? Roginsky ajuda a encontrar a resposta. A última seção da exposição é chamada de "A Pintura Retornada" (1991-2001). Mostra pinturas (tela, óleo) com vistas dos cantos de Moscou, que o artista que vive em Paris escreveu de memória. Casas rosa com fileiras de janelas idênticas, quartéis azuis, ruas e entradas cinzentas pareceriam deprimentes e sem alegria se não fosse pela energia do amor e da compaixão que emanava de cada tela. Ao mundo que o artista deixou há muito tempo, mas que permaneceu com ele pelo resto da vida.
A mostra fica aberta até 28 de setembro.
