Sergey Estrin:
- É difícil definir algum critério claro para avaliar o nível de trabalho gráfico. Se você começa do oposto, do que você não gosta, então definitivamente não gosta quando desenhistas talentosos reproduzem fotos. Esses gráficos são impressionantes apenas porque transmitem imagens com a maior precisão, suas imagens parecem vivas. Para mim, definitivamente não é um critério de seleção. É importante para mim que, ao olhar para uma obra, tenha imediatamente o desejo de pensar sobre ela. Para que surja toda uma gama de imagens associativas, alusões, até mesmo sensações e emoções. Gosto quando você começa a seguir a linha, como o autor a conduzia, e gosto de ponderar por que ele fez dessa maneira e não de outra forma. É quase o mesmo com a arquitetura - eu sou fascinado por edifícios ambíguos, quando você pode desfrutar de diferentes ângulos, diferentes imagens emergentes e descobertas …
1.
Pavel Bunin (1927-2008)
Eu amo muito seus gráficos. É muito diferente. Bunin teve, por exemplo, um período em que pintava em manchas. Quando criança, tive livros com suas ilustrações. Lembro-me de suas ilustrações incríveis para Pushkin. Eu realmente gosto da maneira como ele trabalhou com as letras de Omar Khayyam. Ou este desenho: pela vivacidade da linha, pelo eufemismo - este é um trabalho interessante. Bunin não precisa desenhar a figura inteira, o volume inteiro, isso é supérfluo - a linha em si, o caminho que segue e transmite o significado da imagem. Em algum lugar parece que a mão tremia, a linha se quebra - mas não porque o artista seja fraco, mas porque é necessário transmitir o significado. E agora você olha para esta linha - intermitente, nervosa, de espessura diferente - e ela diz tudo o que é necessário. Para mim, este é o nível mais alto, gráficos absolutamente incríveis. Além disso, tenho certeza de que Bunin pintou isso sem qualquer preparação, o modelo dificilmente posou para ele. Tento deliberadamente repetir esta maneira de traçar a linha, desenho montanhas assim … Assim - em meias linhas - muitos artistas tentam desenhar, mas nem todos conseguem. ***
2.
Stanislav Noakovsky (1867-1928)
Conheci seu trabalho no instituto. Noakovsky - arquiteto e artista gráfico russo-polonês, viveu na virada dos séculos 19 para 20, antes da revolução que lecionou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou, era membro da Academia Imperial de Artes. Ele foi um grande aquarelista, pintou monumentos arquitetônicos. Os alunos o adoravam. Uma fotografia sobreviveu onde ele desenha com giz em uma lousa durante uma palestra, explicando estilos arquitetônicos. Imagino vividamente como ele mostra pela primeira vez o que distingue, digamos, o estilo rococó - proporções, elementos, combinações, a proporção das escalas das paredes e decoração. E ele faz tudo rápido, com poucos golpes, mas de forma que a essência seja capturada. Ou seja, a um nível muito artístico e profissional. Posso imaginar o quão chateado os alunos ficaram quando ele lavou uma coisa e começou a desenhar outra, talvez não menos brilhante …
O mesmo é nessas aquarelas: o principal é transmitido aqui. Noakovsky não precisava desenhar todos os detalhes, todos os relevos, como se estivesse copiando uma fotografia. Em vez disso, ele se concentra na essência: transmite espaço, poder, ritmo, proporções, impressões deles. Isso é muito parecido com o funcionamento da nossa memória em geral - pequenas coisas são apagadas, deixando uma imagem comum que nos impressionou. E Noakovsky também - ele apreende a imagem inteira. Uma abordagem muito arquitetônica, muito correta, ao que me parece, do desenho. ***
3.
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778)
Para ser sincero, nem tudo na obra de Piranesi me toca. Monumentos antigos, vistas de Roma, suas paisagens arquitetônicas não me fazem sentir forte. É muito bem feito, pensado, verificado, mas não te preocupa. E outra coisa são suas fantasias sobre o tema das prisões, suas "Masmorras" - uma série de 16 folhas. Loucuras arquitetônicas, completamente impossíveis na realidade, nas quais ele já não se limitava a nada. Nessas folhas, ele construiu um mundo transcendental, complexo, fascinante, místico, emocionante. Certa vez, comprei um livro inteiro para algumas reproduções das Masmorras de Piranesi. Essas obras são muito pessoais, emocionais e, o mais importante, muito modernas, embora tenham sido publicadas pela primeira vez em meados do século XVIII. ***
4.
Savva Brodsky (1923-1982)
Pai de Alexander Brodsky. Graduado pelo Instituto de Arquitetura de Moscou. E em seus livros gráficos, de fato, um arquiteto é sentido. Há um contraste, proporções, algum tipo de severidade, é claro, um senso de linha e forma - tudo isso junto causa uma forte impressão. Ele sabe como agitar habilmente o assunto - olhe para essas cabeças gritando, são tantas que parece que você já pode ouvir, sentir fisicamente seu riso. As figuras de Dom Quixote e Sancho no centro deste mar de cabeças são desenhadas como se fossem feitas por um escultor. Gráficos muito bons. Por suas ilustrações para Dom Quixote, Savva Brodsky recebeu uma medalha de ouro na Feira do Livro de Moscou e foi eleito Acadêmico Correspondente pela Real Academia Espanhola de Belas Artes.
E seus lençóis para Romeu e Julieta também são incríveis e muito arquitetônicos. Isso é evidenciado pelo próprio fato de se tratar de uma série - ou seja, o autor dá o ritmo e, portanto, atua como arquiteto. São eixos, uma perspectiva que se estende ao infinito, e figuras escultóricas que marcam a escala desta colunata e da nave. Muito agradável. Brodsky sabe transmitir o ponto de vista de quem olha para gigantes. Como arquiteto, entendo absolutamente tudo aqui, talvez seja por isso que goste. ***
5.
Egon Schiele (1890-1918)
O artista austríaco, aluno de Klimt, após sua morte era na verdade o artista número um na Áustria, mas morreu aos 28 anos de uma espanhola. Ele tem muitas pinturas e vários milhares de desenhos. Seu trabalho é muito interessante. Talento incrível. Reconhecível e diverso. Talvez, se tivesse vivido uma vida longa, teria se tornado um escultor, porque suas coisas são muito esculturais, e talvez até um arquiteto … Ele vê muito bem, remove coisas desnecessárias e adiciona alguma emoção invulgarmente aguda. Ele tem uma linha incrivelmente maravilhosa, como um nervo à flor da pele. Sua pintura é indissociável da gráfica. Mesmo as coisas que são pintadas são absolutamente gráficas.
Os seus retratos não são de forma alguma uma caricatura, não uma caricatura, onde também procuram captar o principal. Ele também muda um pouco as proporções, estica-as. Schiele tem uma escola maravilhosa, certamente conhece proporções e anatomia, mas sabe afiá-las e transmiti-las de tal forma que cada linha começa a soar com um nervo esticado, quase dá para ouvir.
E seus desenhos arquitetônicos, que são publicados com muito menos frequência do que retratos, são simplesmente magníficos em parte de sua simplicidade. E aqui ele também vê o principal. Parece que as casas mais comuns, ninguém pensaria em capturá-los. Mas alguns acentos - e deles você reconhecerá o início dos anos 1900, o clima da modernidade, embora não haja uma única linha da modernidade, do art nouveau aqui. ***
