Uma exposição gráfica do arquiteto-chefe de Moscou, Sergei Kuznetsov, foi inaugurada ontem no Museu de Arte Multimídia de Moscou. Possui mais de 120 trabalhos em lápis, tinta, caneta hidrográfica e aquarelas, criados há mais de 10 anos desde 2007. Muitas novas, principalmente aquarelas - 2016 e 2017, inclusive as feitas especialmente para a exposição. Estamos publicando um fragmento de uma conversa entre a curadora da exposição, a crítica de arte Yekaterina Shalina, e Sergei Kuznetsov. A versão integral da entrevista será publicada no catálogo dedicado à exposição “Sergei Kuznetsov. Contato pessoal / Gráficos arquitetônicos (21.07 - 10.09). Além de gráficos e pinturas, incluirá histórias de figuras culturais famosas, arquitetos, fotógrafos, jornalistas e artistas sobre sua percepção de diferentes cidades do mundo - de experiências arquitetônicas a sensações gustativas. Colaboradores incluem Mikhail Shvydkoy, Sergei Tchoban, Dmitry Bertman, Alexey Tarkhanov, Mikhail Belov, Artemy Lebedev, Alexander Ponomarev, Alexey Naroditsky, Peter Kudryavtsev, Ekaterina Pronicheva, Sofya Trotsenko, Elena e Irina Kuznetsov. A data de lançamento do livro e apresentação serão divulgadas posteriormente. ***
Ekaterina Shalina:
Exposição “Sergey Kuznetsov. Contato pessoal / Gráficos arquitetônicos "no Museu de Arte Multimídia de Moscou reuniu mais de 120 desenhos e aquarelas. Diferentes técnicas, diferentes cidades do mundo, edifícios e espaços. Qual é a ideia principal deste projeto para o autor?
Sergey Kuznetsov:
- Esta exposição - obrigado pelo convite para a fazer e ajudar na sua implementação a Olga Sviblova, directora do MAMM, e toda a sua maravilhosa equipa - aliás, uma outra forma de dizer que o ambiente urbano e a arquitectura, como parte principal, têm um impacto muito forte na consciência humana. Independentemente de ele estar ciente disso ou não. Essa é uma história de que a cidade é um fenômeno interessante que faz sentido viver o mais inclusivamente possível. Para mim, o método mais natural e preciso dessa "inclusão" é o desenho. Mas também existem outras maneiras. Alguém que sai à cidade para o conhecer ou para ficar a conhecer melhor, verifica com livros e filmes, alguém adora passear sem mapa e descobrir algo novo para si, alguém fotografa ou regista os seus sentimentos. Por isso, junto com meus gráficos, surgiram na exposição telas com colagens de vídeos de filmes cult, transmitindo a atmosfera de vários belos centros do mundo, onde tive a sorte de visitar e desenhar repetidamente.
Você de alguma forma se prepara especialmente para conhecer novos lugares?
- Se vou para uma cidade sobre a qual tenho uma vaga ideia, procuro ler algo sobre isso de antemão. Mas o método mais eficaz é seguir um bom guia. Por exemplo, em Buenos Aires, escolhemos a rota construtivista. É difícil fazê-lo por conta própria - os monumentos estão espalhados por diferentes áreas, e fomos aconselhados por caras experientes que realizam esta excursão em um autêntico e excelente preservado caminhão dos anos 30. Acabou sendo uma viagem em tempo real. Nós mesmos andamos no centro. Devo dizer que Buenos Aires tem um espírito muito europeu, lembra Paris, só que tudo está em uma escala americana muito ampliada. Avenidas grandiosas, muita arquitetura artística de Art Nouveau e Art Deco, edifícios com plástico articulado, respondem, reagem uns aos outros com torres, varandas, decoração. A escala e a grandiosidade da cidade são levadas em consideração e, ao mesmo tempo, infelizmente, sente-se que seus melhores tempos já passaram. Se vou a algum lugar por apenas alguns dias, então no primeiro dia tento dar a volta o máximo possível e ver, ao longo do caminho, delinio e lembro, fotografando pontos possíveis para o ar puro. E no segundo dia saio para a cidade com um caderno ou um tablet.
Há algum objeto para desenho planejado antes da viagem? Existe algum tipo de sistema, um princípio para a escolha de uma natureza arquitetônica?
- Quando começamos a cooperar com Sergei Tchoban e abrimos o escritório do SPEECH em 2006, a prática de ir ao ar livre tornou-se um sistema. No início foi interessante para mim esboçar os famosos monumentos da arquitetura mundial - Antiguidade, Renascença, Barroco. Acho que a maioria dos arquitetos que pintam tem esboços das estruturas do Fórum Romano ou do Coliseu. Uma vez em Roma, seguimos os passos dos desenhos de Alexandre Benois, que no início do século XX descobriu para si, e um século depois para nós, vistas nada triviais da Catedral de São Pedro. Em Veneza, também me voltei para a natureza lendária, que foi retratada por mestres famosos mais de uma vez - não com o objetivo de competir com eles, mas para treinar minhas mãos e olhos em obras-primas, para captar as proporções, a proporção de detalhes e do todo. Então ele começou a sua própria, uma reminiscência de uma caça, busca por edifícios, pontos e ângulos interessantes pouco conhecidos. Eu amo especialmente os quintais venezianos. A dois passos das rotas turísticas, as multidões se foram e a beleza é a mesma.
De Veneza no arquivo pessoal a maioria das obras. Cidade favorita?
- Veneza tem uma atração "narcótica" irresistível, e sua natureza não é completamente clara para mim. Ou a questão é que há água por toda parte, ou o fato de que toda a cidade é pedestre. Talvez o segredo de seu charme esteja em alguma irregularidade engenhosa, óbvia, por exemplo, nos edifícios principais - a Catedral de San Marco ou o Palácio do Doge. Como seus criadores chegaram com uma combinação tão bizarra de formas, cores, ornamentos, assimetria e atectônica é incompreensível para a mente. Este é um ambiente deslumbrante feito pelo homem em que tudo é arte: arquitetura icônica repleta de pinturas de grandes mestres e as mais comuns casas de terracota criadas não por arquitetos, mas por simples artesãos de excelente gosto, cujos nomes na maioria das vezes desconhecemos. E os gondoleiros com seus hábitos e canções, e os atraentes produtos de vidro Murano e atributos de um baile de máscaras, até mesmo o serviço em restaurantes é uma apresentação teatral à parte. Vim a Veneza pela primeira vez há dez anos, comemorei meu trigésimo aniversário e, desde então, tenho comemorado meu aniversário lá quase todos os anos. Trabalhar em projetos para quatro bienais de arquitetura só fortaleceu meu amor por esta cidade. Parece que tudo sobe e desce, mas sempre que algo desconhecido é descoberto.
Folhas de Veneza demonstram claramente toda a gama de técnicas e materiais - de um simples lápis a aquarelas. O que determina a escolha, o quê e o que desenhar para diferentes objetos? Como surgiu a evolução dos gráficos para a aquarela?
- A própria natureza muitas vezes leva a algum tipo de técnica. Por exemplo, minha imagem de Veneza é dominada por casas brancas com pátinas pretas. Uma vez tentei pintá-los de branco em papel colorido. A técnica em si não é uma descoberta da América, mas, neste caso, ela efetivamente destaca os arranhões pitorescos e a destruição que dão à cidade sobre as águas seu encanto irresistível. Normalmente não uso borracha ou qualquer outra coisa que possa corrigir o desenho. Quem desenha ao ar livre sabe o quanto esse processo depende do clima e da luz. Você tenta fazer tudo rápido, e a aspereza aparece em algum lugar, algo acaba imperfeito, mas existem técnicas que compensam isso transmitindo com precisão as emoções, o estado do momento. E isso certamente inclui aquarela. Nos últimos três anos tenho vindo a utilizá-lo principalmente, considero-o uma das técnicas mais difíceis, cujas possibilidades estão longe de se esgotarem para mim. Em algum momento, eu quis me afastar do “documentário”, imagem detalhada da arquitetura e passar no papel antes os meus sentimentos pelo que vejo. Essa tendência já se manifestou antes. Por exemplo, os telhados de um pagode e um portão em Kyoto, desenhados com um simples lápis, na verdade não “voam” tão arrojadamente, mas eu queria realçar a característica indicada na arquitetura real, e na folha esse exagero o animou. Aquarela atende plenamente a minha percepção do mundo. Por exemplo, na realidade, pode não haver sombras oblíquas tão longas que aparecem em algumas composições, mas são essas sombras que dão à imagem a dinâmica e a energia do ambiente urbano que eu sinto.
Os arquitetos e artistas retratam a arquitetura de maneira diferente?
- Pode-se argumentar que uma abordagem analítica e arqueológica está mais próxima dos arquitetos, e uma abordagem romântica e emocional dos artistas. Os arquitetos costumam construir formas com linhas, sombreamento e amor monocromático, e os artistas prestam mais atenção aos pontos coloridos e ao ambiente iluminado. Mas esta não é uma regra, o que é confirmado pelo meu trabalho. A principal diferença é que os arquitetos, mesmo no processo de desenho espontâneo e livre da natureza, recebem informações visuais, que de alguma forma são refratadas em suas atividades profissionais. Na minha prática durante o meu trabalho no SPEECH, desde a "representação" das catedrais góticas, o Palácio Aquático nasceu em Kazan com as suas estruturas em lanceta, embora de um material diferente - a madeira. As cúpulas de San Marco influenciaram a forma abobadada do salão central do pavilhão russo da Bienal de Veneza em 2012, quando mostramos os projetos da cidade de inovação Skolkovo. E o princípio da disposição colorida do mármore nas paredes de Santa Maria dei Miracoli formou a base para o revestimento dos edifícios da "Nevskaya Ratusha". Existem muitos outros exemplos também.
O desenho ajuda o trabalho do arquiteto-chefe de Moscou, traz ideias que podem ser implementadas em uma escala de planejamento urbano?
- Claro que ajuda. Se, por exemplo, eu não tivesse pintado o High Line Park de Nova York, disposto nos trilhos de um metrô de luz fechado, não teria defendido tanto a participação de seus idealizadores Diller Scofidio + Renfro no projeto e na construção do Parque Zaryadye. Esse território em Nova York é incrível. Você está ao mesmo tempo rodeado pela natureza "selvagem" e pela cidade. Não uma floresta ou um parque da cidade, mas outra coisa. Esta é uma ideia verdadeiramente inovadora de urbanismo paisagístico, que, espero, será totalmente implementada no centro de Moscou. Quando me tornei o arquiteto-chefe, o tempo de viagem diminuiu naturalmente, mas comecei a pintar mais de Moscou. Encontrei muitos lugares para plein-airs em ruas centrais e em vias, em aterros e na VDNKh, em zonas industriais e em canteiros de obras de objetos que estão sendo erguidos e reconstruídos com minha participação pessoal - este é o parque Zaryadye e o estádio Luzhniki. Através do desenho, consigo conhecer e compreender mais profundamente a nossa cidade. Parece-me que, se desejado, a beleza, objeto digno de uma imagem, pode ser encontrada em qualquer uma de suas áreas. E, claro, continuo levando lápis, pincéis e tintas comigo em todas as viagens. Das mais recentes, a viagem a Bukhara foi especialmente proveitosa - trouxe muitas aquarelas.
Que impressão Bukhara deixou?
- Dual. A cidade não é pequena, no centro existem monumentos magníficos, em bom estado, mas está quase vazia, há poucos turistas. O calor - e eu estava em maio - está terrível, 38-40 ° C. Todos procuram a salvação na sombra. E também por causa da temperatura, toda a vida se passa nos pátios. Se você olhar de cima, a cidade inteira é cortada em quadrados - as casas térreas ficam de frente para as ruas com paredes brancas, não há fachada pública, você anda como um labirinto e apenas passagens estreitas levam para dentro, para um território privado. Cidade introvertida. Toda a sua arquitetura é condicionada pelo clima. Tomemos, por exemplo, portais com nichos ricamente decorados com cerâmica. Os nichos criam o efeito de um funil, no qual o ar esfria antes de entrar na sala. As cores são realmente as mesmas das pinturas de Vereshchagin - turquesa, ocre, contrastes nítidos de luz e sombra. As pessoas são amigáveis, acolhedoras, muitas usam roupas nacionais, os homens usam toucas - um cocar muito prático que protege contra superaquecimento. Muitas pessoas sabem três idiomas cada - tajique, usbeque e russo, o que indica um alto potencial. E, ao mesmo tempo, é claro que vivem em geral mal, o negócio privado mal se desenvolve - ao nível do comércio de cerâmicas e gorros, que se vendem sem embalagem. Não existe marketing como tal. Embora a arquitetura, a culinária e as mesmas cerâmicas pudessem se tornar marcas nacionais, o turismo poderia se desenvolver de forma mais intensa. Mas o controle estrito de tudo pelo Estado, que encontramos pessoalmente na manifestação de fiscalização excessiva na fronteira, obviamente limita a liberdade de empreendedorismo.
A exposição vai até o dia 10 de setembro.
