Stepan Lipgart: "É Certo Dobrar Sua Própria Linha"

2024 Autor: David Durham | [email protected]. Última modificação: 2023-12-16 02:42

Uma família

A Wikipedia escreve que os Lipgarts são uma família da nobreza Ostsee, conhecida na Livônia desde o século 16, e nos séculos 19 e 20 esse sobrenome foi usado por artistas, engenheiros e designers de submarinos. Quais deles são seus ancestrais?

Os pais de minha mãe eram primos de quarto grau um do outro, ambos nascidos de Lipgarts, descendentes do antigo sobrenome dos alemães bálticos, imigrantes de Pernau (hoje Pärnu, na Estônia), que antes tinham realmente um título de nobreza. Meus ancestrais, no entanto, o perderam no início do século XIX. O avô da minha avó, Ernest Lipgart, engenheiro de formação, herdou do pai uma grande empresa dedicada à produção de cimento e maquinaria agrícola. Seu filho Voldemar (Vladimir) estudou arquiteto, mas preferiu o caminho de artista. Seu destino foi trágico, no final dos anos 1930 ele “desapareceu”: como aconteceu nos últimos anos, ele foi baleado no campo de treinamento de Butovo. Minha avó, também uma artista, foi exilada de Moscou para Karaganda no início da guerra como alemã.

O pai do meu avô, o engenheiro Andrei Aleksandrovich Lipgart, é um representante de outro ramo da família, o chefe de uma família grande e forte, uma personalidade notável. Em 1933, ele se tornou o designer-chefe da Fábrica de Automóveis Gorky, onde ao longo de quase vinte anos criou dezenas de modelos de equipamentos automotivos. Os méritos e realizações de Andrei Alexandrovich foram reconhecidos principalmente na época soviética, portanto, por exemplo, sua autoridade foi suficiente para resgatar um parente distante, minha avó, do exílio. Foi assim que conheceu meu avô.

Os privilégios do meu bisavô nos anos 1950: uma grande casa de campo e um apartamento em um arranha-céu stalinista, tornaram-se espaços onde também passei a melhor parte da minha infância. A atmosfera festiva das reuniões familiares - solenes, mas também sinceras, que decorriam num luminoso apartamento de tectos altos, ricas molduras de estuque, portas apaineladas, das quais o Pai Natal invariavelmente aparecia no Ano Novo - aparentemente tornou-se uma impressão que determinou a minha arte artística gosto e preferências estéticas por anos …

O que influenciou sua decisão de se tornar arquiteto, além da engenharia e da genética artística?

Parece-me que arquitecto não é acidental - profissão que muitas vezes é herdada. No meu caso, a influência de minha mãe é, sem dúvida, que, embora tenha se dedicado toda a sua vida não na arquitetura prática, mas na teoria, mas desde a infância, explicou que nossa profissão é a melhor, universal, nela - criatividade, pensamento e beleza e arquitetura de Moscou - um lugar de rara graça.

Vocação

Qual dos professores da MARCHI é importante para você se lembrar? Quem te inspirou, de quem você começou?

Lembro-me com admiração e gratidão de meus dois professores, que já faleceram. Quando entrei no instituto, tive muita sorte imediatamente: meu professor nos primeiros dois anos foi Konstantin Vladimirovich Kudryashov. Um homem com um grande coração e grande charme, uma agenda brilhante - lembro-me com que inveja vimos como linhas claras e vivas de esboços magistrais emergiam de suas mãos. A amplitude da natureza, ao que parece, foi incorporada nos temas de seus desenhos: caça de cães, que ele amava muito, armas antigas, cavalos, navios, velas … Aparentemente, as preferências arquitetônicas correspondiam a essa percepção romântica e um tanto nostálgica do mundo: falava de Venturi com muito respeito, Aldo Rossi. Em geral, o pós-modernismo, de acordo com Kudryashov, era algo bom. Não houve negativo de sua parte também em relação à arquitetura stalinista, pelo contrário, logo na primeira aula prática, que aconteceu fora do instituto, aproveitando a oportunidade, Konstantin Vladimirovich chamou nossa atenção para a casa com os mirantes do arquiteto Rybitsky, que em Zemlyanoy Val, respondendo sobre esta arquitetura como de alta qualidade e significativa. Talvez seja por isso que os elementos e composições de ordem, cujo estudo foi a base do programa do primeiro ano, eu sem pensar duas vezes fiz meu método nos primeiros projetos escolares do segundo ano de estudo. Kudryashov não interferiu nisso, não quebrou, mas no final do segundo ano ele avisou: "Você tem um desejo arquitetônico de ordem, tente se afastar disso no próximo ano."

Avisado que pode haver problemas?

Eu não disse isso diretamente, mas coloquei dessa forma. Em geral, do terceiro ao quinto ano, minha formação em projeto arquitetônico foi bastante estranha. Em qualquer caso, seu princípio básico - copiar revistas estrangeiras com projetos semelhantes ao tema e, em seguida, reproduzir as ideias e técnicas encontradas em seu projeto - me parecia em grande parte sem sentido. Ao mesmo tempo, a paixão pela arquitetura clássica, legado dos anos 1930-1950 soviéticos, tornou-se cada vez mais consciente e profunda. Lembro-me de como nessa época vim falar com Kudryashov e reclamei, dizem, que o moderno não inspira, ao que recebi a resposta: se você acha que tem razão, precisa lutar "com machados".

Claro, no início esse "no machado" era repleto de notas baixas e um mal-entendido absoluto dos professores, mas depois, no entanto, eles se reconciliaram com os vícios maravilhosos de um aluno negligente, dando-me a oportunidade de cozinhar meu próprio suco.

No sexto ano era hora de escolher um supervisor de diploma, e então houve uma segunda chance de sorte - eu entrei no grupo de Vladimir Vladimirovich Khodnev. O ano da formatura foi absolutamente feliz: a abordagem formal dos ex-professores foi substituída por algum tipo de liberdade inebriante de criatividade e autoexpressão. Descobriu-se que é certo dobrar a linha, mas o que está na alma é valioso e importante. A sensibilidade e a atenção do professor, que recordo com muita gratidão, permitiram-me compreender e aprender muito. Na saída, o diploma acabou sendo brilhante, eu diria chocante, talvez ingênuo, em algum lugar ridículo, mas realmente meu. Devo dizer que no mesmo ano apareceram os Filhos de Iofan, nos quais, aliás, Khodnev me apoiou muito. Foi um bom momento - acreditamos em nós mesmos.

O grupo "Children of Iofan" causou sensação. Foi apreciado por representantes de todas as direções. Como isso aconteceu?

Vinte e dois anos é provavelmente uma época feliz para quase todos: a energia frenética da juventude, entusiasmo sem consideração por dinheiro, reputação, contatos. Na primavera de 2006, nos conhecemos e nos tornamos amigos de Boris Kondakov. Lembro-me de nossa primeira conversa: - "Como você se sente em relação ao Palácio dos Sovietes?" "É uma pena … uma pena que não foi construído." Foi a senha que determinou, por enquanto, uma rara afinidade. Começamos a trabalhar juntos, é claro, não se falava de nenhum tipo de comércio. O talento artístico de Boris e minha visão arquitetônica foram incorporados em projetos competitivos, em objetos de arte, e então trabalhamos juntos no referido diploma, povoando a Moscou imaginária de 2006 com pessoas das pinturas de Deineka e Samokhvalov. Um grande papel em nossa biografia foi desempenhado pelos festivais da cidade, que foram organizados por Ivan Ovchinnikov e Andrey Asadov. As instalações externas "faça você mesmo" foram a primeira oportunidade de testar ideias espaciais na natureza. Pela primeira vez, participamos de um evento denominado "A Cidade da Infância", nesta cidade construímos um objeto que lembrava as estruturas de propaganda da década de 1930 - a "Tenda Vermelha", enquanto a equipe se declarava em consonância com o tema do festival - "Filhos de Iofan".

Os inflamados e contraditórios anos 30, para os quais o projeto de Iofan marcou a virada, entraram em ressonância com suas próprias experiências de juventude, sedentos por ação e mudança. Em contraste com o caos e o caos da Moscou de Luzhkov, tentamos apresentar outra Moscou como foi concebida no Plano Geral de 1935. Caminhamos por horas em busca de fragmentos daquela cidade: linhas vermelhas, direções, complexos inacabados, resolvendo-os como um rébus, imaginando um conjunto inteiro e esguio feito de arquitetura de alta qualidade, criado por mestres falecidos, alguns cujos nomes despertaram espanto: Fomin, Shuko, Rudnev, Dushkin …

• 

  

  1/5 Instalação: Tanque "Flowers to the Fallen". Grupo arquitetônico "Filhos de Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  2/5 Instalação: Tanque "Flowers to the Fallen". Grupo arquitetônico "Filhos de Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  3/5 Instalação: Tanque "Flowers to the Fallen". Grupo arquitetônico "Filhos de Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  4/5 Instalação: Tanque "Flowers to the Fallen". Grupo arquitetônico "Filhos de Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  5/5 Instalação: "Sistema aeronáutico - uma ferramenta para aumentar o conforto recreativo de Moscou". Grupo arquitetônico "Filhos de Iofan" © Stepan Lipgart

Que tipo de escândalo aconteceu com você com Tom Maine?

Sim, de fato, não houve escândalo, mas mesmo sem ele, esse incidente me influenciou muito. A palestra do fundador do grupo Morphosis, então, no meu terceiro ano, causou um grande rebuliço: quase todo o Instituto de Arquitetura de Moscou apareceu no salão Vlasov branco como a neve da Casa Central dos Artistas. A criatividade do Maine é brilhante, excitante, todos esses volumes rasgados, levitando e se desintegrando não poderiam deixar indiferentes. Então, tudo o que ele demonstrou me pareceu terrível, não orgânico, desprovido de lógica e, o mais importante, anti-humano. Depois de tomar coragem, fiz uma pergunta depois da palestra, dizem, mas e as pessoas? Fiquei impressionado que Maine nem mesmo entendeu o que quero dizer no início. Sua resposta relacionada à tecnologia de design, ele falou muito sobre isso durante a palestra, dizem, o computador é apenas uma ferramenta, e as pessoas, ou seja, arquitetos, são criadores, autores. Nunca recebi uma resposta sobre os usuários de seus edifícios. Seja como for, qualquer forma arquitetônica moderna depois daquela palestra me pareceu antinatural por muito tempo.

Isso me lembrou de como o compositor Arvo Pärt uma vez rompeu com a vanguarda, porque ele não podia dizer nessa língua o que ele queria dizer. Muitas vezes lhe perguntaram por que escolheu a década de 1930 como sua fonte de inspiração, mas ainda assim lhe peço que explique sua atitude em relação a essa arquitetura

De acordo com meus sentimentos, no início do século 20, a arquitetura do Império Russo, principalmente na capital, atingiu o nível mundial, e se não a compararmos com os centros culturais da época - França, Áustria-Hungria, mas, por exemplo, com a Itália, então superou. Vejamos os edifícios de Roma na virada do século, esta é uma arquitetura sólida, bem desenhada, mas ainda muito secundária: uma reprodução do Renascimento, composições absurdas sobre o tema da antiguidade, ou seguindo o mesmo estilo francês.

Ainda assim, São Petersburgo da Idade da Prata, a época de Benoit e Lidval, é o foco de grandes profissionais, mestres da arquitetura. Recordemos a construção de Marian Peretyatkovich, a Casa Wawelberg na Nevsky Prospekt, uma obra brilhante, uma síntese virtuosa de um palácio florentino e da Art Nouveau do norte, ou as obras emocionais do jovem Belogrud, cheias de uma vaga energia de expectativa, expectativas de choque e mudança.

Quando esses choques ocorreram em 1917, a maioria dos arquitetos da geração mais velha juntou-se à construção do novo país, e seus alunos, uma galáxia de arquitetos destacados que estudaram nas vésperas da Revolução e nos primeiros anos depois dela, juntaram-se com zelo ainda maior: Lev Rudnev, Noah Trotsky, Evgeny Levinson e muitos outros. Não se trata apenas da Academia de São Petersburgo, porque os fundadores do construtivismo de Moscou, Alexander e Viktor Vesnin, Alexander Kuznetsov, são profissionais da velha escola.

Por mais paradoxal que pareça, a virada do início dos anos 1930 enriqueceu por algum tempo a arquitetura soviética: por vários anos, os conceitos de vanguarda e classicista coexistiram. Os mestres da velha escola tiveram a oportunidade de “terminar de escrever” o neoclassicismo iniciado na década de 1910, para transferir totalmente seus conhecimentos e experiência para uma nova geração de arquitetos notáveis: Georgy Golts, Mikhail Barshch, Leonid Polyakov, Ilya Rozhin. Em suma, no meu entendimento, a arquitetura soviética do pré-guerra é um fenômeno de escala muito significativa, rica em ideias e ambições, herdando alta qualidade de épocas anteriores.

• 

  1/3 Arq. M. Peretyatkovich. Casa de Wawelberg em B. Morskaya. São Petersburgo. 1912 © Stepan Lipgart

• 

  2/3 Arch. M. Peretyatkovich. Casa de Wawelberg em B. Morskaya. São Petersburgo. 1912 © Stepan Lipgart

• 

  3/3 Arch. E. Levinson, I. Fomin. Casas na rua Ivanovskaya em São Petersburgo. 1934-1938 © Stepan Lipgart

Portanto, seu motivo para os anos 1930 é apelar para a alta qualidade

Estou fascinado pelo potencial artístico desta época, provavelmente como uma das formas de alta qualidade.

Qual é a sua peça de arquitetura favorita?

Há uma grande tentação de recordar algo da já mencionada Idade de Prata de São Petersburgo, mas por uma questão de clareza, vou nomear o edifício construído na década de 1930, ele realmente deixou uma impressão impressionante em mim. Para a exposição internacional de 1937, entre outras coisas, a França ergueu dois grandes complexos de exposições, gostaria de mencionar um deles - o Palais de Tokyo. A arquitetura do palácio está próxima ao estilo Mussolini e aos modelos soviéticos, principalmente a Biblioteca Lenin. No entanto, a aparência monumental austera do edifício é significativamente suavizada, tanto pelo pitoresco de uma composição volumétrica clara, como pela plasticidade sensual da escultura que preenche os espaços próximos às fachadas do palácio. Penso que a emoção do Palais de Tokyo, completamente desprovido do oficialismo da arquitectura "totalitária", mas mesmo, ao que me parece, implicar um certo grau de intimidade, deve-se ao facto de o palácio ter sido construído no interior de uma país da democracia burguesa.

Para mim, existe um certo critério da mais alta qualidade arquitetônica: quando um edifício de grande porte é tão perfeito, integral, harmonioso que o espaço urbano, que é influenciado por sua arquitetura, é percebido como um mundo de beleza sobrenatural, que é visivelmente diferente até mesmo dos belos conjuntos da cidade ao redor. Em São Petersburgo, tal sentimento é despertado pelas colunatas da Catedral de Kazan, em Paris - pelo Palais de Tokyo. No mundo deste último, as proporções e a linha, o espírito e a vontade, o amor ardente, impresso na pedra, triunfam.

• 

  1/3 Palais de Tokyo na Exposição Mundial de Paris. 1937

• 

  2/3 Palais de Tokyo na Exposição Mundial de Paris. 1937

• 

  3/3 Palais de Tokyo em Paris. Fragmento. © Stepan Lipgart

Em que concursos e exposições já participou, com que trabalhos? Quais são os prêmios?

Em 2017, em Moscou, e depois em São Petersburgo, ocorreram duas de minhas exposições pessoais ("A Décima Sétima Utopia" e "Em Busca de um Herói"), pelas quais sou muito grato às suas curadoras, respectivamente, Alexandra Selivanova e Lyusa Malkis. Mas com um calor especial, lembro-me de nossa exposição com o título arrojado "Forward, to the 30s!" no Museu de Arquitetura, inaugurado no outono de 2008. Sua preparação lembrava um pouco outro festival da cidade. Havia muito pouco dinheiro, mas muitos amigos dispostos a ajudar, ideias e minha própria força em quantidades ilimitadas. O curador era minha amiga, a crítica de arte Masha Sedova.

E já há dois meses e meio, nos instalamos em uma pequena comunidade, nos engajamos na construção de maquetes, instalações expositivas, produção de pôsteres e outros materiais expositivos. O resultado, ao que parece, foi realmente brilhante, de qualquer forma, o convidado especial da exposição, Grigory Revzin, chamou então a atenção para os Filhos de Iofan.

Quanto aos concursos, aparentemente, devido à especificidade do tema do nosso trabalho, não tivemos muito sucesso aqui, porém, não nos esforçamos para ter sucesso, há alguns prêmios ARCHIWOOD, mas acho que isso pode ser atribuído a uma exceção à regra.

• 

  

  1/6 Instalação "Pilares de OSVOD", laureada com o prêmio ARCHIWOOD-2012 Grupo arquitetônico "Filhos de Iofan"

• 

  2/6 Instalação "Pilares de OSVOD", laureada com o prémio ARCHIWOOD-2012 Grupo de arquitectura "Filhos de Iofan"

• 

  3/6 Instalação "Pilares de OSVOD", laureada com o prémio ARCHIWOOD-2012 Grupo de arquitectura "Filhos de Iofan"

• 

  4/6 Instalação "Pilares de OSVOD", laureada com o prémio ARCHIWOOD-2012 Grupo de arquitectura "Filhos de Iofan"

• 

  5/6 Instalação "Pilares de OSVOD", laureada com o prêmio ARCHIWOOD-2012 Grupo arquitetônico "Filhos de Iofan"

• 

  6/6 Instalação "Pilares de OSVOD", laureada com o prémio ARCHIWOOD-2012 Grupo de arquitectura "Filhos de Iofan"

Quais são suas impressões de trabalhar no estúdio de Mikhail Filippov?

No meu entendimento, Mikhail Anatolyevich é um artista brilhante, e sua visão de arquitetura pressupõe uma qualidade de realidade que é inatingível hoje: social, cultural, tecnológica. Para que a arquitetura em pleno som de Filippov se torne parte do mundo material, há muito o que mudar no mundo, muito a ser lembrado. Essa ideia me assusta e me decepciona, mas parece que uma pessoa, mesmo infinitamente talentosa, não consegue. Trabalhei na Oficina Mikhail Filippov por um ano no total, estou feliz por conhecer o mestre, sou grato a ele por seu trabalho.

Prática

Aos 30 anos, você começou a projetar grandes complexos residenciais em São Petersburgo. Casa "Renascença" na rua. Dybenko já foi parcialmente construída, "Petite France" na linha 20 da Ilha Vasilievsky está sendo construída. Poucas pessoas conseguem receber esses pedidos nessa idade. Qual é o segredo?

Alguns meses atrás, conversamos com Aleksey Komov, e ele, em particular, definiu essa situação da seguinte maneira: “Essa é a sua posição de mestre, um avivalista. Aí está o seu mundo, no qual você mora sem fazer diferença entre o papel e os projetos reais, e os clientes de alto nível, a presença desse mundo, a firmeza das convicções artísticas, sente e quer aderir. E como este é um mundo em grande escala, os projetos acabam sendo grandes: edifícios residenciais e fábricas, e não casas particulares e nem interiores."

Parece muito alto, laudatório, por outro lado, é estranho ignorar alguns acontecimentos da vida por um acaso cego. Lembro-me de que aos trinta anos, ao selecionar o material para Arch-Moscow, revisei minhas numerosas imagens: papel, projetos de competição, fotografias de instalações, e havia a sensação de que imagens e ideias suficientes haviam se acumulado para que de alguma forma surgissem, saiu para o mundo real. Então, logo aconteceu. Claro, conhecidos anteriores desempenharam um papel: Grigory Revzin me trouxe junto com Kusnirovich, Maxim Atayants, que é um exemplo para mim profissionalmente e moralmente, facilitou um encontro com um desenvolvedor de São Petersburgo.

Conte-nos sobre o dispositivo e os métodos do workshop Liphart Architects?

Vejo minha principal tarefa em trabalhar com uma imagem arquitetônica, respectivamente, tudo é construído de forma a resolvê-lo com a máxima eficiência, mas com um mínimo de equipe. A oficina é muito pequena, com capacidade para cinco pessoas, e se dedica quase exclusivamente ao desenho de esboços. Prefiro desenhar o exterior do edifício com minhas próprias mãos, desde o primeiro traço a lápis até o último centímetro do modelo computadorizado final da fachada. Delego o resto do trabalho aos meus colegas. O projeto e a documentação de trabalho são desenvolvidos por designers externos, participamos no processo com a supervisão do designer.

A primeira casa em São Petersburgo,

Conjunto residencial "Renascença", pintei de acordo com os layouts indicados. Claro que os designers mudaram e ajustaram no processo, minhas decisões também foram transformadas, mas no final, deve-se destacar que a implementação está muito próxima da ideia original. A instalação do cliente também afetou: altere a arquitetura em último lugar, construa à medida que é desenhada.

• 

  1/6 Vista de sudeste para a rotunda. Complexo residencial "Renaissance" © Liphart Architects

• 

  2/6 Conjunto residencial Renaissance Visualização © Liphart Architects

• 

  3/6 Complexo residencial "Renascença" Foto © AAG

• 

  4/6 Projeto do complexo residencial "Renaissance" na rua Dybenko, São Petersburgo, desde 2015Computação gráfica em construção Cliente: holding de investimentos e construção AAG © Stepan Lipgart

• 

  5/6 Vista do sudeste, iluminação noturna. Complexo residencial "Renascença" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Cortesia de Liphart Architects

• 

  6/6 Vista da fachada norte, iluminação noturna. Complexo residencial "Renascença" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Cortesia de Liphart Architects

No caso da chamada "Pequena França" - a nossa primeira casa no centro histórico da cidade - tive mais liberdade de manobra: foram acertados o volume e a quantidade de pisos, várias ideias gerais com formatos de apartamentos, tudo o resto foi decidido com base na aparência externa que eu havia inventado. O desenho deste objeto coincidiu com minha mudança para São Petersburgo, por isso foi desenhado com grande sentimento, com uma espécie de fervor neófito, as obras de Lidval e Klenze, que realmente descobri por mim mesmo então, tiveram uma grande influência em sua arquitetura.

• 

  1/7 RC "Pequena França". 20ª linha da Ilha Vasilievsky. São Petersburgo © Liphart Architects

• 

  2/7 RC "Pequena França". 20ª linha da Ilha Vasilievsky. São Petersburgo © Liphart Architects

• 

  3/7 RC "Pequena França". 20ª linha da Ilha Vasilievsky. São Petersburgo © Liphart Architects

• 

  4/7 RC "Pequena França". 20ª linha da Ilha Vasilievsky. São Petersburgo © Liphart Architects

• 

  5/7 RC "Pequena França". 20ª linha da Ilha Vasilievsky. São Petersburgo © Liphart Architects

• 

  6/7 RC "Pequena França". 20ª linha da Ilha Vasilievsky. São Petersburgo © Liphart Architects

• 

  7/7 RC "Pequena França". 20ª linha da Ilha Vasilievsky. São Petersburgo © Liphart Architects

Vários projetos de São Petersburgo nos quais estamos trabalhando atualmente em um estágio ou outro: edifícios residenciais na rua Magnitogorskaya, Malokhtinsky Prospect, no dique do rio Black - estão sendo projetados de maneira semelhante. A casa na 12ª linha da Ilha Vasilievsky é muito complexa em configuração, densa, foi desenhada há seis meses. Talvez, a maior parte dos esforços tenham sido investidos neste objeto, realmente espero por sua implementação.

A mentalidade "faça conforme desenhado" para designers surgiu porque os clientes eram seus aliados. Os clientes sentem a beleza?

Parece-me que a capacidade de ver o belo é um dom dado a todos desde o nascimento; outra questão é que as circunstâncias da vida, o ambiente, os preconceitos podem tirar esse dom de uma pessoa ou, em qualquer caso, causar-lhe graves danos. Às vezes parece que na Rússia de hoje, que sofreu ao longo do século passado, a maioria se esqueceu de como não apenas aumentar a beleza, mas até mesmo distingui-la do feio. O mais maravilhoso é o encontro com a ambição de criar a estética. Na minha opinião, tanto Alexander Zavyalov, o proprietário da empresa desenvolvedora de São Petersburgo, quanto Mikhail Kusnirovich têm essa ambição.

• 

  1/7 Vista dos Edifícios Administrativo-Amenidades e de Produção pelo sudoeste. Fábrica de roupas "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / fornecida por Stepan Lipgart

• 

  2/7 Vista do prédio administrativo pelo sudeste. Fábrica de roupas "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / fornecida por Stepan Lipgart

• 

  3/7 Escada frontal, fragmento. Fábrica de roupas "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / fornecida por Stepan Lipgart

• 

  4/7 Fragmento da fachada oeste do Edifício Administrativo. Fábrica de roupas "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / fornecida por Stepan Lipgart

• 

  5/7 Hall do 1º andar com Jardim de Inverno_fragment. Fábrica de roupas "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / fornecida por Stepan Lipgart

• 

  6/7 Vista geral do ponto de parada do sul. Fábrica de roupas "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / fornecida por Stepan Lipgart

• 

  7/7 A fachada sul do edifício administrativo e de amenidades, fragmento. Fábrica de roupas "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / fornecida por Stepan Lipgart

Além disso, é claro, as preferências de gosto do cliente começam a desempenhar um papel, mudando, devo dizer, com o tempo, de uma coincidência completa com a minha para um mal-entendido completo. Nos primeiros projetos com Zavyalov, por exemplo, a ordem, a arquitetura clássica era aceita com força e falávamos a mesma língua, mas agora cada vez mais a tarefa se coloca de acordo com o princípio conhecido desde os anos do instituto: "Faça-me gostar nessa foto." Aqui surge involuntariamente a questão: até que ponto estou pronto para um compromisso. Em geral, há alguma decepção na profissão após os primeiros anos de trabalho prático. Até agora, o que é realmente importante e valioso foi obtido em projetos de papel, não na implementação.

Projetos de papel

Há mais de dois anos, em um comentário ao archi.ru, mencionei que o principal tópico que me interessa são as contradições não resolvidas inerentes à cultura e à história russas, que se manifestaram com especial força na década de 1930. A colisão da máquina com o tradicional e o feito pelo homem. A linha da arquitetura heróica de Petersburgo, incorporada tanto no art déco de Levinson e Trotsky, quanto no arcaico sombrio de Belogrud e Bubyr, e ainda mais cedo no arco do Estado-Maior e no monumento a Pedro. Uma linha de impulso sobrecarregado, de superação, associado à natureza da cidade, que por diversas vezes foi submetida a violenta europeização.

Em suas obras, arquitetura e tecnologia de ordem não se negam, mas, ao contrário, se enriquecem: art déco e reator, art déco e foguete … Qual projeto de papel é mais caro para você e por quê?

A série "At the Reactor" é uma dedicatória pessoal, que encarna a imagem de um reator atômico como uma força que aquece este mundo, mas também ameaça destruí-lo. Essa energia tem uma semelhança com a paixão humana. A estação é como um templo, e o tema da deificação do carro também está presente aqui.

• 

  1/5 Series "At the Reactor" 2014 Computer Graphics Paper project © Stepan Lipgart

• 

  2/5 Série "At the Reactor" 2014 Computer Graphics Paper project © Stepan Lipgart

• 

  3/5 Finlyandsky Railway Station 2014 Computer Graphics Paper project © Stepan Lipgart

• 

  4/5 Projeto de melhoramento e reconstrução do território do parque Neskuchny Sad. Estágio 2011-2012 Computação gráfica Não implementada Cliente: Grupo de empresas Bosco © Stepan Lipgart

• 

  5/5 Projeto de beneficiação e reconstrução do território do parque Neskuchny Garden. Greenhouse 2011-2012 Computação gráfica Não implementada Cliente: Grupo de empresas Bosco © Stepan Lipgart

Lembro-me bem de como surgiu a trama da obra que chamo de "Arco do Triunfo". Na véspera, tive uma conversa inspiradora, onde o interlocutor convocou um manifesto-imagem, a minha ideia de futuro. Aparentemente ele encontrou as palavras certas, a imagem nasceu em um minuto: um foguete ousado, pronto para quebrar no empirismo, emoldurado por uma forma arquitetônica gigantesca. A conquista do espaço sideral, possibilitada por um avanço tecnológico, e linhas dinâmicas que soam em uníssono com este movimento, trazendo a marca da significativa Art Deco.

Na exposição em Moscou houve projetos de vilas Art Déco bastante estéticas. Uma villa é a imagem de uma pessoa privada. Que tipo de pessoa é essa, com quais propriedades?

É interessante que cada projeto é uma oferta para um cliente específico, mas nenhum deles decidiu construir sua casa nessas formas. Parece-me que Maxim Atayants deu uma descrição bastante precisa, observando que não se trata de casas particulares, mas pavilhões de exposição para expor o cliente e sua vida cotidiana. Sim, talvez, a representatividade enfatizada, a monumentalidade, a solenidade da arquitetura não impliquem privacidade, conforto, fluxo sereno dos dias. A imagem desta casa desafia o seu habitante, e ele deve corresponder-se a ele, antes de tudo em termos estéticos, mas não só. Aqui nos aproximamos do tema da personalidade excepcional, o Herói.

• 

  1/4 Projeto "Winged Villa" 2016 Computação gráfica Não implementado Cliente privado © Stepan Lipgart

• 

  2/4 Projeto da villa "Acropolis Litorinum" 2015 Computação gráfica região de Leningrado, distrito de Vyborgsky Não implementado Cliente privado © Stepan Lipgart

• 

  3/4 Projeto "Villa ITR", 2011 Computação gráfica, região de Moscou, distrito de Chekhovsky Não implementado Cliente privado © Stepan Lipgart

• 

  Projeto Villa 4/4 "Pavillon Lecayet", 2015Região de Moscou de computação gráfica. Não implementado Cliente privado © Stepan Lipgart

Metafísica

Qual é a diferença entre o seu conceito de herói e de herói romântico do século 19, que entra em uma batalha contra o destino e se opõe à multidão; do super-homem e demiurgo da vanguarda; de um libertário do século vinte?

Lembro-me de ter lido em Khan-Magomedov que Ivan Leonidov, ao criar sua "Cidade do Sol", mal conhecia o texto de Tommaso Campanella. Seu construtivismo utópico deu uma imagem de um futuro brilhante, e o enredo da Cidade do Sol estava em sintonia com seus sentimentos. Vale a pena determinar imediatamente que meu “conceito de Herói” também não tem profundidade filosófica suficiente, por trás dele não existem longos textos, pesquisas, tentativas de testar minhas próprias suposições empiricamente. O principal aqui é sua própria intuição, a experiência de certos sentimentos, exaltação. E a forma mais bem-sucedida da busca notória do Herói é observar a exibição artística da beleza humana. O exemplo mais óbvio é um retrato da Renascença, exaltando e divinizando a natureza humana. Mas ainda mais perto do ideal estão aquelas telas em que a luz celestial entra em conflito com o lado escuro da natureza humana. Foi uma impressão fresca e forte para mim ver ao vivo as obras de Parmigianino e Bronzino, não há nelas uma paz ligeira de harmonia renascentista, pelo contrário, o frio penetrante de traços impecáveis, o equilíbrio frágil de apolíneo e dionisíaco, implicando resposta, ousadia, o trabalho da alma.

Na Divina Sinfonia de Scriabin, o herói-demiurgo cria um mundo do nada. O conceito de luta contra Deus dá origem a uma música muito bonita, mas eticamente ela está no limite. Seu herói - quem é ele?

O herói é o meio termo entre uma pessoa com suas fraquezas e vícios e o princípio mais elevado. O herói não é aquele que é milagrosamente dotado de habilidades divinas, mas que se esforça com a força de seu espírito, de sua própria alma, para o mais elevado e ideal, tanto moralmente quanto no sentido de beleza física.

Mas um artista é um herói no momento em que cria algo. A manifestação da beleza em uma obra é sempre um milagre e ousadia. Voltando à década de 1930, tanto os criadores quanto suas imagens são heróicos ali. Arquitetos construíram e compositores escreveram, arriscando suas vidas. Em 1938, Shostakovich sentava-se todas as noites na escada de sua casa com uma mala, esperando ser preso porque seu amigo, o marechal Tukhachevsky, havia sido baleado. Shostakovich tem sido perseguido na imprensa desde o início dos anos 1930. No entanto, em 1937 ele escreveu a 5ª sinfonia, na qual, segundo Pasternak, "ele disse tudo e nada aconteceu com ele". O herói dessa música morre na luta contra uma máquina totalitária infernal

Nos anos trinta, foi feita uma tentativa final de suportar ao máximo o heróico e demiúrgico - o Terceiro Reich. Uma tentativa de mudar, de distorcer a moralidade humana universal, de criar uma nova pessoa, uma nova sociedade, uma nova cidade. O culto de um herói que capturou dezenas de milhões. O resultado é monstruoso e, do ponto de vista ético e humanístico, não pode ser justificado. Deve ser lembrado que a linha é muito fina aqui.

sim. Porque os meios são monstruosos e os meios são o mais importante. Sim, havia um objetivo monstruoso

Outros meios são possíveis? Tomemos o título de cavaleiro - está associado à violência e ao assassinato e, ao mesmo tempo, bonito, todos se lembram das majestosas muralhas dos castelos medievais e do culto a uma bela dama.

Discordo que o conceito heróico esteja associado à violência, talvez ao enfrentamento da violência e à superação de si mesmo. Se reconciliarmos a vida com uma dimensão vertical, estaremos falando de um herói que se sacrifica por outras pessoas

A propósito, o sacrifício também foi promovido na sociedade nazista. Como resultado, já existe uma opinião na Alemanha moderna de que a busca pela beleza auto-valiosa pode ser equiparada ao nazismo.

Isso é um engano. O artista cria uma forma, é um gesto dominador, num sentido totalitário, mas a arte é uma área onde a hierarquia é benéfica. O pós-modernismo tentou desconstruir esse gesto, e o resultado artístico não é muito convincente. A Idade de Prata estava se equilibrando à beira da arte e da construção de vida. Ele criou a beleza, mas permaneceu no campo artístico e não foi além (mais precisamente, poetas e artistas experimentavam todos os tipos de cultos obscenos, como sabemos pelas memórias de Alexander Benois, mas isso era assunto privado deles). Lenin não é a Idade da Prata

Mas os artistas estavam juntando essas nuvens na véspera do drama de 1917, chamando e ansiando por elas. O que são trovões e relâmpagos? Isso é algo incontrolável. Scriabin, naturalmente, teve uma ideia diferente do surgimento de um novo homem, é claro que ele não era um comissário com um Mauser e nem um avião de ataque brutal. O bloqueio de Leningrado como a realização dos sonhos mais terríveis da Idade de Prata reside no sentimento de sobre-humanidade e sacrifício, nessas sensações de frio crepuscular encarnado nas casas de Belogrudov. Eles já tinham a premonição de uma tragédia iminente, uma premonição do arcaico, que apareceu na imagem de Stalin das profundezas mais sombrias. Aguçando o tema, vejo a imagem do herói nas obras dos escultores Josef Torak e Arno Brecker. A audácia lá definitivamente se inclina para a natureza sombria, mas é impressionante.

Assim como a ousadia de muitos artistas libertários do século XX. Wright, Sullivan, Scriabin eram Nietzscheans. Mas eles entendiam Nietzsche de uma maneira vulgar. Nietzsche, quando disse sua frase sobre a morte de Deus, quis dizer que uma pessoa deixou de se voltar para o céu, deixou de ser capaz de agradecer, de conformar suas ações com Deus. As pessoas direcionaram a energia livre resultante para atingir seus objetivos e conseguiram muito. Mas a natureza humana decaída se manifestou em toda a sua glória

A natureza humana caída está se manifestando em pleno crescimento hoje. É uma pena que essas exibições não tenham valor artístico.

sim. Mas as pessoas entenderam algumas coisas. O mundo derrotou o fascismo e o equilíbrio ainda é mantido, embora com dificuldade. Albert Schweitzer disse que tendo inventado a bomba atômica, ou seja, tornando-se superpotente, o homem não se tornou superinteligente. Talvez o herói seja uma pessoa superinteligente. Não no sentido de cautela, é claro, mas, ao contrário, no sentido de imprudência, capacidade de misericórdia, de sacrifício. O santo é um grande herói e super-homem. Temos valores que não queremos perder. Se falamos de arquitetura, uma cidade histórica europeia é um valor, e a arquitetura dos anos 1930 é uma parte orgânica dela

Sim, mas também havia uma nova qualidade nela. Voltando à minha impressão parisiense, aquela visita foi muito curta, concentrada: em oito horas caminhei do Panteão ao Trocadero, tendo conseguido visitar o Louvre. A grande cidade surpreende com a sua escala, a riqueza das fachadas de pedra natural, o alcance das avenidas, a magnificência dos enormes palácios e, no entanto, ao sair para os edifícios da exposição de Paris, não pude deixar de sentir outra dimensão, outro grau de significado, uma imagem do futuro, que nunca veio, porque a natureza destrutiva do homem então prevaleceu sobre a criativa.