Publicado pela primeira vez na coleção: Arte decorativa e ambiente espaço-sujeito. Boletim do MGHPA. Número 3. Parte 1 Moscou, 2020 p. 21-31. Cortesia do autor. O apogeu do estilo Art Déco nos Estados Unidos ocorreu na virada das décadas de 1920 e 1930. e sua formação foi influenciada por uma ampla gama de fontes, tanto históricas quanto relevantes. O mais importante entre eles era o chamado. "Estilo de 1925", consubstanciado nos famosos pavilhões da "Exposição Internacional de Artes Decorativas e da Indústria Artística", inaugurada em Paris em 28 de abril de 1925. Porém, além dos conceitos artísticos e tectônicos, o estilo dos arranha-céus também foi formado graças ao planejamento urbano e restrições legais.
A lei de zoneamento de Nova York de 1916, que limitava os edifícios recém-erguidos a uma silhueta escalonada, foi decisiva para a formação do estilo dos arranha-céus. [1] Em 1922, H. Corbett e H. Ferris lançaram um projeto para a torre, levando em consideração seus requisitos. E a partir desse momento, as imagens neoarcaicas e medievais começam a ser percebidas como uma ideia artisticamente valiosa. Assim, a lei de zoneamento de 1916, indiferente às características de estilo de um arranha-céu, determinou o efeito altamente artístico do adelgaçamento tectônico das torres, formou a cedência neo-asteca e a silhueta neogótica das cidades americanas.
Nas décadas de 1920 e 1930, a estética do cânion substituiu as proporções tradicionais das ruas e edifícios por cornijas clássicas. Em Chicago, segundo centro de desenvolvimento do novo estilo, no período de 1927 a 1930. Holabert & Ruth, assim como Graham, Anderson, Probst e White, estão construindo cinco arranha-céus em estilo neoarcaico mesoamericano Art Déco. Monumentais, situados frente a frente, pretendiam competir com as conquistas do neoclassicismo dos anos 1900-1910 e entre si. Eles não podiam deixar de admirar, e é assim que os arquitetos soviéticos da década de 1930 se esforçaram para trabalhar. Além disso, o neoarcaísmo Art Déco encontrou outra fonte nacional de inspiração nos Estados Unidos - as torres de tijolos de R. Walker em Nova York remontavam à estética brilhante dos penhascos de Monument Valley (como, por exemplo, Western Union Building, 1930 e Edifício de longa distância AT Tee, 1932). Escaladas e cobertas por baixos-relevos, as torres art déco pareciam ser criações dos astecas e maias que subiam ao céu. [2]
O estilo Art Déco surgiu nas décadas de 1910-1930 como uma alternativa composicional e plástica ao neoclassicismo (historicismo). Assim, um traço característico do Art Déco dos Estados Unidos é a diminutividade, a planura da decoração, o contraste nítido em grande escala e plástico de raros acentos decorativos e a grandiosa e austera parte principal da torre. Como as obras de Louis Sullivan, os portais de entrada dos arranha-céus eram luxuosos, mas íntimos. Os mestres da Art Déco não ampliaram os motivos arcaicos, tal era a imagem da antiga pirâmide grandiosa, "habitada" e o limite da escala de sua encarnação. Os baixos-relevos Art Déco criados em grandes alturas eram radicalmente diferentes do esplendor plástico do historicismo. Esses foram deliberadamente achatados, detalhes em miniatura que pareciam ter caído do museu para a rua sem mudar de tamanho.
O plástico Art Déco era extremamente diversificado - podia ser pontudo, geométrico, ou deliberadamente arredondado, "inchado" ou aerodinâmico, criado na estética dos chamados. linha de fluxo. Rejeitando o cânone greco-romano, o Art Déco permitiu aos autores mostrar sua imaginação e erudição. Assim, por exemplo, uma interpretação especial suavizada da forma, que remonta à plasticidade da escultura budista e do antigo Egito, está entrando em voga. A nitidez, a geometrização das silhuetas e o desenho dos detalhes tornaram-se outra moda, oposta aos anos 1920-1930. Não é por acaso que, durante os anos de sua criação, o estilo das décadas de 1920-1930 recebeu os nomes "ziguezague-moderno", "jazz-moderno" e semelhantes, enfatizando a base cubista do Art Déco. A geometria, o convencionalismo tornam-se a diferença característica entre Art Déco e neoclassicismo, tão óbvia quanto as diferenças entre o cânone escultórico da Grécia Antiga e os baixos-relevos da Mesoamérica. [3]
Assim, a decoratividade dos arranha-céus poderia assumir a forma de geometrização do historicismo (American Radiator Building) e da fantasia plástica (General Electric Building), autêntica arcaização ou ascetismo final, abstrato. Os arranha-céus podem ser decorados com detalhes geometrizados, neoarcaicos (Inter Continental Hotel), fantasia, ou podem ser completamente desprovidos deles. E, no entanto, eles aparecem como um estilo integral e reconhecível. A plasticidade dessas torres pode remontar às ideias da vanguarda, às inovações da década de 1910 e aos pavilhões da exposição de 1925, bem como aos duros monumentos de um passado distante. No entanto, foram as pirâmides de civilizações antigas que formaram o achatamento dos baixos-relevos e a silhueta inclinada das torres Art Déco. Esse era o neoarcaísmo plástico e composicional do Art Déco da América.
Pela primeira vez, a combinação de baixos-relevos aplainados e uma silhueta escalonada, característica da Art Déco, será realizada em Nova York pelo arquiteto R. Walker. O Edifício Barclay-Vezier (de 1923) foi o primeiro arranha-céu Art Déco lançado antes da exposição de 1925. [4] Em sua arquitetura, uma ampla gama de origens estilísticas é evidente - esta é a estética de uma silhueta neo-asteca inclinada e um complexo, no espírito do cubismo, de composição, bem como de raros relevos, intrincadamente desenhado no espírito de L. Sullivan, que remonta ao Oriente Médio, herança românica e celta. O mesmo acontecerá com os arranha-céus da virada das décadas de 1920 para 1930.
No entanto, qual foi o papel na formação do estilo dos arranha-céus na Exposição Internacional de Artes Decorativas e Indústria de Arte de 1925 em Paris?
A exposição em Paris, originalmente planejada para 1914 e realizada em 1925 após uma longa pausa na construção, buscou se tornar um renascimento do luxo da arquitetura do pré-guerra e coletou todas as inovações do primeiro quarto do século XX. Seus pavilhões, como mais tarde os arranha-céus da América, foram projetados no espírito do orientalismo e do neoarcaico - uma silhueta inclinada, relevos geometrizados de fantasia achatados, acentos decorativos contrastantes e um fundo ascético. Assim foram os pavilhões franceses "Studio Louvre" e "Primavera", "Pomont" e "Metriz", galerias comerciais da Ponte Alexandre III. E um dos primeiros exemplos do "estilo de 1925" importado para os Estados Unidos foram as requintadas grades de metal do famoso Edgar Brandt, participante da exposição em Paris. Já em 1925, eles decoraram o Edifício Madison Belmont em Nova York. A exposição de 1925 em Paris "deu um nome" ao estilo das décadas de 1920 e 1930 e tornou-se sua propaganda, mas não poderia definir sozinha a estética dos arranha-céus. [cinco]
A arquitetura Art Déco na Exposição de Paris de 1925 e a arquitetura americana na virada das décadas de 1920 e 1930 tiveram origens comuns que alimentaram ambos os fenômenos. A etapa intermediária que faltava entre as obras isoladas de L. Sullivan e F. L. Wright nos anos 1890-1900 e a arquitetura holandesa na virada dos anos 1910-1920 tornaram-se uma disseminação massiva do novo estilo. Foi em Amsterdã, pela primeira vez depois da Primeira Guerra Mundial e das obras de Wright dos anos 1900, que surgiram exemplos de decoração geometrizada de fantasia, e esse experimento foi massivo e convincente. Além disso, essas não eram estruturas temporárias criadas apenas para o interesse da exposição, mas o ambiente urbano. [6] Os arquitetos holandeses foram os primeiros a perceber o potencial inovador do estilo de Wright e começaram a desenvolvê-lo, e no final dos anos 1920 os criadores do Art Deco americano seguirão seu caminho. Assim criada na interseção de linhas vindas de Chicago (de Sullivan e Wright), Paris e Amsterdã, Art Deco America se tornou uma era de aplicação em massa e consolidação de soluções criadas anteriormente.
A era do surgimento das tendências que moldarão o Art Déco ainda é a década de 1890-1900. As linhas de estilo que se cruzam na virada das décadas de 1920 e 1930 remontam ao início da era Art Déco e, por várias décadas, elas irão pulsar, competir e moldar a moda mundial. Em 1893, Wright deixou a oficina de Sullivan, e essa divergência dos dois gênios formaria os dois canais ao longo dos quais o Art Déco americano se desenvolveria mais tarde. A última década do século 19 foi para Louis Sullivan um período de prosperidade, o ápice de sua carreira. Então, na década de 1890, ele trabalhou ativamente com fantasia, decoração plana, enquanto Wright inventava sua própria arquitetura geometrizada.
A obra-prima monumental da Art Déco de Wright foi o Templo da Unidade em Oak Park, adornado com uma decoração geométrica extravagante (1906). [7] E em sua arquitetura, é evidente a paixão pela cultura japonesa (especialmente no interior), e a descoberta do mestre de novas técnicas estilísticas. [8] A forma mágica desta igreja com incrível força "bate" em duas direções, ela prediz tanto o neoarcaísmo da Art Déco quanto a abstração da vanguarda. E é precisamente essa dualidade que será característica do estilo dos arranha-céus.
Os anos 1910-1920 se tornaram uma era de troca de inovações arquitetônicas para a Europa e os Estados Unidos e, após a exposição de 1925 em Paris, a moda para um novo estilo, o Art Déco já dominará completamente as cidades da América. No entanto, já em 1910, uma edição de dois volumes de F. L. Wright (o chamado portfólio de E. Wasmut). Teve um impacto significativo no desenvolvimento da vanguarda e da art déco na Europa. [9] A resposta do Templo da Unidade foram os edifícios da Sinagoga (G. Elte, 1927) e da Igreja de Jerusalém (FB Jantsen, 1929), construída em Amsterdã e repetindo suas formas. O saguão da estação de metrô Sokolniki em Moscou (1935), composto de cornijas e molduras horizontais, bem como pedestais com vasos característicos, tornou-se uma rara aproximação ao estilo do mestre de Chicago e da linha aerodinâmica da URSS. [dez]
A obra de Frank Lloyd Wright nos anos 1900 e 1920 surge como um movimento gradual do "estilo pradaria" ao conceito de "blocos têxteis". E a fonte de inspiração mais importante para o mestre durante esses anos é o legado dos astecas e maias. [11] A influência da arquitetura arcaica mesoamericana no estilo de Wright foi indireta, mas significativa. Não foi estilização. No entanto, fundações monumentais escalonadas e hastes horizontais duplas, armações ("prairie houses", Robie House) e cintos de relevos e padrões achatados (Winslow's house, Midway Gardens, Herman's warehouses) e até mesmo telhados planos (Unity Temple) - todos isso foi ao mesmo tempo um repensar das imagens da arquitetura antiga da Mesoamérica, em primeiro lugar, os templos de Uxmal, e uma inovação estilística talentosa e diversa.
Na virada dos anos 1910-1920, Wright começou a trabalhar no Japão e em Los Angeles, onde construiu uma série magnífica de vilas e mansões particulares. Construído na arquitetura do chamado. "Blocos têxteis", eles encarnam uma síntese paradoxal e expressiva de motivos neoarcaicos e tecnocráticos. [12] Assim, a evolução de F. L. Wright nas décadas de 1910 e 20 consistia na complicação da decoração arquitetônica e na abordagem da estética Art Déco. [Treze]
Em 1924, o próprio Wright mostra como você pode transformar o estilo de suas mansões em arranha-céus: para Chicago, ele cria o magnífico National Life Insurance Building. Sua concessão era ditada pela lei de zoneamento, e apenas o método de relevo geometrizado plano era, ao que parece, realmente neoarcaico, mesoamericano. No entanto, o trabalho com inserções decorativas (padrões, "texturas") encontra outra fonte nos Estados Unidos - o estilo de fantasia de Louis Sullivan será o prenúncio de baixos-relevos Art Déco planos.
Em suas obras, Sullivan, já na década de 1890, propôs o tema de um baixo-relevo de fantasia aplainado como decoração para um medalhão entre janelas e um portal de entrada. [14] Estes foram os edifícios do mestre em St. Louis (1891), Chicago (1893), Buffalo (1894), Nova York (1899) e outros. Trabalhando com as fachadas de edifícios de escritórios de vários andares, foi Sullivan que começou a usar o contraste de acentos decorativos e austeridade, relevo impost e achatado, e o mesmo fará os arranha-céus Art Déco. Sua paleta decorativa incluía motivos neoarcaicos e fantasia - geométricos, tecnocráticos, como os de Wright, e florais, orientalistas, como os de Sullivan. No entanto, os dois mestres confiaram em seu talento como desenhista, invenção e herança orientalista arcaica. E é precisamente essa dualidade de decoração, trabalho na intersecção de estilização e inovação, que foi transferida nas décadas de 1920 e 1930 de Sullivan e Wright para o estilo de arranha-céus.
Os arranha-céus art déco foram criados, pode-se dizer, no "estilo da exposição de 1925", mas seus detalhes deixam a impressão de serem desenhados por si mesmos, com talento. Atrás deles, pode-se sentir uma cultura poderosa, um experimento massivo, que já fornece apenas soluções estilisticamente precisas. O estilo da exposição foi percebido sob o prisma de seu próprio patrimônio. E se para a Paris do período entre guerras, o "estilo de 1925" era uma exceção, nos Estados Unidos ele era nitidamente nacional, tendo recebido sua personificação mais marcante aqui. Os arranha-céus Art Déco tornaram-se para os Estados Unidos uma espécie de "renascimento" do seu próprio arcaico, as pirâmides astecas e maias, um diálogo com os pioneiros do novo estilo - Sullivan e Wright, e é por isso que o "estilo de 1925" ganhou tamanha popularidade nas cidades americanas.
Literatura
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- Secrest M. Frank Lloyd Wright: Uma Biografia - University of Chicago Press, 1998
[1] Um marco na arquitetura de Nova York foi a construção em 1915 do Equitable Building, um espaço recorde para escritórios. Já em 1916, será adotada uma lei de zoneamento que, conforme o P. P. Zuev, permitiu que as edificações tivessem a altura desejada, começando com um trecho da torre igual a um quarto da área do local, e exigiu um recuo a partir de uma marca de 45-60 m, ou seja, um e meia da largura da rua. Posteriormente, leis de zoneamento semelhantes foram emitidas em outras cidades dos Estados Unidos. [4, p. 6]
[2] A era Art Déco estava ciente de suas origens, então o pavilhão do "Templo Maia", construído para a Exposição Mundial "Era do Progresso" em Chicago (1933), foi uma resposta ao pavilhão "Angkor" no Colonial Internacional Exposição em Paris (1931). Um dos primeiros exemplos desse interesse foi o pavilhão do "Templo dos Astecas" na Feira Mundial de Chicago (1893).
[3] Como P. Baer aponta, a revolução no México em 1910 contribuiu para o estudo intensivo dos monumentos da América pré-colombiana, seu estilo tornou-se não apenas incrível, mas novo - como dizem, “os índios foram os primeiros cubistas”. [11, p. 16]
[4] Conforme observado por K. Holliday, os relevos planos do edifício Barclay-Vezier foram feitos antes mesmo da exposição em 1925. O próprio R. Walker apontou a antiguidade romana e as obras de L. Sullivan como fontes. [14, p. 50]
[5] Conforme indicado por T. G. Malinin, o termo "Art Deco" surgiu em 1966 na onda de interesse pela arte do período entre guerras e em conexão com a exposição dedicada aos 40 anos da exposição em Paris (Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes). A mesma abreviatura "Art Deco" (Arts Deco) foi usada pela primeira vez nos artigos de Le Corbusier na década de 1920, a princípio em um sentido crítico e irônico. [5, página 27; 8, pág. 206]
[6] Para obter mais detalhes, consulte o artigo do autor [1, pp. 78-83]
[7] Na década de 1910, Wright criou uma série de projetos próximos ao Art Déco, incluindo o Call Building for San Francisco (1912), projetos para a Biblioteca Carnegie em Ottawa (1913) e o Teatro Aline Barnsdel (1918)) e Merchandising Building (1922) em Los Angeles, etc. O Edifício Larkin em Buffalo (1904, não preservado), Bock House em Milwaukee (1916) e Hollyhock House em Los Angeles (1919-1922) foram implementados no estilo do início da Art Déco.
[8] Pela primeira vez com a cultura japonesa, F. L. Wright (1867-1959) se reúne na Feira Mundial de Chicago (1893). Em 1905, Wright fez uma viagem ao Japão (a primeira de uma série) e começou a colecionar gravuras japonesas. Em Tóquio, ele projeta o Imperial Hotel (1919-1923, não preservado) e a villa de T. Yamamura (1918-1924) em Tóquio. E é precisamente da arquitetura japonesa que Wright parece perceber tanto a estética de cornijas fortemente estendidas e encostas de telhado que formam a imagem e a silhueta de "casas de pradaria", quanto as soluções de cores de interiores, por exemplo, em Unity Temple e Robie House.
[9] A influência de Wright também é claramente perceptível no exemplo icônico da vanguarda europeia - a construção da prefeitura em Hilversum (V. Dudok, 1928), que incorporou uma espécie de imagem ampliada de Robie House (1908). A influência do estilo de Wright também é perceptível nas obras de O. Perret, os vitrais da Roby House são reconhecíveis no interior da Igreja de Notre Dame de Rency (1922), a cornija simplificada pesadamente trabalhada da Unidade A igreja do templo "completa" a fachada do teatro na Champs Elysees (1913).
[10] O Streamline é considerado uma das tendências da era Art Déco. E entre seus raros exemplos domésticos, os pesquisadores incluem a construção da loja de departamentos Danilovsky construída em Moscou (G. K. Oltarzhevsky, 1936). Isso parece ter sido uma resposta à Casa Moss em Berlim (E. Mendelssohn, 1923). A construção do Comissariado do Povo para a Terra também foi decidida pelas horizontais de cornijas e molduras (A. V. Shchusev, 1933). Assim, na arquitetura, os primeiros exemplos de estilo com nervuras e aerodinâmica aparecem antes de formas semelhantes no design automotivo. Para obter mais detalhes sobre as técnicas de estilo da arquitetura simplificada, consulte [2, p. 29; 6, pág. 389]
[11] O legado dos astecas e maias também estava disponível para Wright de acordo com o artista gráfico F. Caserwood, que na década de 1840 explorou e esboçou as ruínas dos templos da América pré-colombiana, e é conhecido por suas próprias impressões - do "templo asteca" na Exposição Mundial de 1893 em Chicago (onde a oficina Sullivana ergueu o pavilhão "Transporte") e de uma exposição especial com modelos e fotografias de templos maias na Exposição Panamá-Califórnia em San Diego, que o mestre visitado em 1915.
[12] Pela primeira vez, Wright trabalhou com "blocos têxteis" na década de 1910, então as decisões foram tomadas - Midway Gardens (Chicago, 1914, não preservado) e o depósito de A. Herman (Richland Center, 1915). Em Los Angeles, neste estilo, Wright implementa uma série de mansões - Storer House (1923), Millard House (1923), Freeman House (1923) e Ennis House (1924). A obra-prima de Wright foi a Hollyhock House (1919-22). Batizado com o nome da flor da malva-rosa, era adornado com uma variedade de decorações geometrizadas, tanto vegetais quanto tecnocráticas.
[13] Vamos explicar que nos anos 1900-1910, as obras de Wright estavam realmente à frente de seu tempo - tanto em grafismo arquitetônico, quanto em plástico e composição de volumes. No entanto, no final da década de 1920, quando a arquitetura Art Déco atingiu seu auge, Wright não era procurado. Além disso, enquanto nas obras do mestre havia uma certa convergência dos plásticos geometrizados-fantasia de suas mansões com a estilização francamente neoarcaica mesoamericana, o surgimento da estética vanguardista já estava em andamento na Europa e na URSS. E na virada das décadas de 1920 e 1930, a arquitetura de Wright, paradoxalmente, não era mais relevante nem nas capitais erigidas nos clássicos - Washington e Moscou, nem nos laboratórios criativos de VKHUTEMAS e Bauhaus.
[14] Wright herdou de Sullivan o pensamento em relevos achatados, padrões e cornijas retangulares fortemente estendidas (como no Templo da Unidade). O diferencial da era Art Déco das décadas de 1920 e 1930 foi a conclusão de edifícios não com cornijas, mas com perfis e detalhes aplainados, sótãos e saliências neoarcaicas.
